[{'year':2023,'archive':[{'month':'11','articles':[{'id':'185','publish_date':'2023-11-30 14:58:39','modified_date':'2023-12-01 17:56:21','genre':'2','title':'【戸澤采紀さん】柔軟、誠実、凛とした強さを持つ戸澤采紀の「今」──','content':'

ヴァイオリニスト戸澤采紀氏は第85回日本音楽コンクールにて当時15歳という若さで最年少優勝を果たし、豊かな音色、スケールの大きな音楽、成熟した感性に、聴衆を驚かせた。

以来、ソロ、室内楽、オーケストラとの共演等（ローザンヌ室内管弦楽団、NHK交響楽団、読売日本交響楽団、東京都交響楽団、東京シティ・フィルハーモニック管弦楽団、東京フィルハーモニー交響楽団、群馬交響楽団など）の幅広い活躍で注目を集めている。

ヴァイオリニストの両親（父親は東京シティ・フィルのコンサートマスターを務める戸澤哲夫氏、母親もプロのヴァイオリニスト）のもとに生まれ、幼い頃よりオーケストラに触れていたという彼女は、大のマーラー好きという一面も・・・！

留学を機に、すっかり洗練された淑女へと成長を遂げ、何か音楽家として掴んだものがあるようだ。今回のプログラムでは、そんな戸澤采紀の"今”が詰まった渾身のプログラムとなっている。

弱冠22歳にして、確かな考えを持ち、すでに大器の片鱗を見せ、将来を期待される若手音楽家の一人であることを感じられることだろう。

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戸澤采紀ヴァイオリンリサイタル（ピアノ：森田悠介）　
2023年12月15日(金) 19:00開演[満員御礼]

ドビュッシー：ヴァイオリン・ソナタト短調
ブラームス：ヴァイオリン・ソナタ第1番ト長調 Op.78《雨の歌》
シェーンベルク：幻想曲 Op.47
シューベルト：幻想曲ハ長調 Op.159, D 934

※追加公演はプログラム、チケット代が異なります。あらかじめご確認ください。

⇨詳細・キャンセル待ちはこちら
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「戸澤さんの娘さん？」ではなく、「お父さんは戸澤さん？」に！

スタッフ： 戸澤さんご自身の音楽との出会いは、いつ頃、どのようなものだったのでしょうか？

戸澤：私の場合、母も父もヴァイオリニストですので、ごく日常的に家に音楽が溢れていました。
それこそ、生後1週間には父親がベルリオーズを大音量でかけながら練習してといったような状況でした（笑）
さらに今と違ってサブスクの時代では無かったので、家には多量のCDが置いてありました。簡単に手に取れる環境だったのはありがたかったと思います。

スタッフ：本当にごく自然に音楽に触れる機会があったのですね！そこまで日常的にオーケストラのCD等を聴く機会があったのも珍しいですね。境遇に感謝ですね。
逆にご両親が音楽家だったことで苦しかったことはありましたか？

戸澤：それは、当然ありました。私にも反抗期がありましたので「戸澤さんの娘さんですよね？」と言われるのがすごく嫌だった時期があって…いつかは「お父さんは戸澤さんですよね？」と呼ばせるようにしてやる！って思ったり（笑）

スタッフ：それは、かっこいい！良い方向に反骨精神が作用したので立派ですね。
ご自分がヴァイオリニストへの道を考えたきっかけは、いつ頃、どんなことがきっかけだったのでしょうか。

戸澤：実は私、ヴァイオリンを一度やめているんです（笑）はじめは、特に何も考えずに父母が合同で発表会しているので、その前にちょこっと練習して演奏するみたいなスタイルで弾いていました。その頃は母に習っていたのですが、どうやら母親が怖かったらしくて、父に習いたいと言って父のレッスンを受けたのですが…案の定もっと怖くて…辞めてしまいました（笑）その後、５〜６歳の頃ですかね、ピアノを始めたんですね。
そんな時に父母が一緒に乗るオケで（確かシティで母がエキストラかな？）マーラーの7番がプログラムにあって聴きに行った時に、信じられないくらい、すごく感動してしまって…。なので割と早い段階でヴァイオリニストになりたいと思っていました。

スタッフ：いや〜そんな幼い子供がマーラーの7番に感動する感性がすごいですね…。あの曲「夜の歌」とかですよね？
１、２、３、４、５番あたりならまだわかりますが…何か天性のものを感じます。

戸澤：不思議ですよね。実は私、かなりの"マーラーオタク"で・・・（笑）父も好きなので遺伝なのか何なのか不明ですが…家族みんなクラウディオ・アバドの大ファンなんですよね。家にアバドコーナーあるくらい！（笑）

スタッフ：私もかつて、アバドとか、ガリ・ベルティーニとか、インバルとか、マーラーに凝ったことがありましたよ！素晴らしかった…。アバドの場合は、本当に音楽に没入するような感じがして感動しますよね。

戸澤：えー！羨ましい〜〜！！そうなんですよ！映像で見ても何か泣きそうになっているのがわかりますよね。
そんな経緯で、オケを見渡しながら子供ながらに「ピアノではオケに乗れないんだ」と気が付いて、また「ヴァイオリンをやりたい！」と父母にお願いすることになりました。けれども一度辞めていましたので、なかなかOKをもらえずに…半年〜１年くらいずっとお願いし続けて、その年のクリスマスにサンタさんからヴァイオリンのプレゼントが届きました！（笑）

スタッフ：サンタさん、かわいいですね！（笑）オーケストラの何にそんなに感動したんですか？

戸澤：そうですね。今でもオーケストラの中で弾くとすごく満ち足りた気分になるんですよね。なんだろう…やはりこの大きなストロークと、音に囲まれるので、特有の迫力に感激してしまいます。

スタッフ：私もオケが大好きで40～50年以上、メジャーなオケをあまり途切れることなく聴き続けていますが、やはりオーケストラはいいですね！
チェリビダッケ、ムラヴィンスキー、クライバー、シノポリ、サバリッシュ、アバド、スイトナー、ブロムシュテット、メータ、バレンボイム、スクラバチェフスキー、ラトル、ゲルギエフ、ドゥダメル、ティーレマン、ヤンソンス等々、日本の指揮者ではもちろん小澤さん、直近ではクラウス・マケラ、テオドール・クルレンツィスあたりが気になって来日するたびに聴きに行きます。（笑）

戸澤：マケラ！それこそ最近オスロに行く機会があったので彼のマスタークラスを聴講しました。こう、あまり細かく教えるという感じではなく、ちょっとした変化で大きな差をつける…という感じで教えていました。

スタッフ：そうなんですね！貴重なお話をありがとうございます。

マーラーを全曲弾くまでは死ねない！

スタッフ：今、一番魅力を感じる作品や作曲家、演奏家を教えていただけますか？また、生涯をかけて取り組みたい作品は何かありますか？

戸澤：普遍的なところでいうと、ブルックナーは私の核になるところです。それから、マーラーは、自分が人間として選択に迷ったときに助けてくれるような存在です。
最近では、今勉強させていただいているダニエル・ゼペック先生の影響もありますが、ベートーヴェンはソロ、室内楽、オケがぜんぶあるので、改めて凄いと思っています。演奏するにしても、どうしたって等身大の自分が出てしまう…いや、ある意味それが出ても良い作曲家だと思います。なので、人生を通して弾き続けたいと思っています。それこそ膨大なので、すべてのレパートリーはなしえないと思いますが…。
作品でいうと、ベートーヴェンの弦楽四重奏曲なんかはやはり大好きですし、マーラー、ベートーヴェン、ブラームスあたりの交響曲は全曲取り組みたいです。それこそマーラーを全曲弾くまでは死ねないと思っています！（笑）

スタッフ：ベートーヴェンの弦楽四重奏曲は「ベートーヴェンが本当にやりたかったことはこれか！」と思ってしまうような深淵な作品群ですよね。死ねないとは凄い！やはりここでも、マーラーオタなのがすごく伝わってきました（笑）

「幸も100、苦も100」

スタッフ：今まで長いこと音楽に携わってきていると思いますが、楽しかったこと、辛かったことなどをご紹介いただければ幸いです。

戸澤：私にとって、演奏家が舞台に立ち、お客様がいらっしゃったうえでの空間で演奏をするということの喜びは図り知れないものです。コロナの頃は、無観客でコンサートをやっていましたが、音楽は作曲家とお客様と演奏家との共有があって、初めて成り立つものだと思うので、苦しいものでした。コロナ後の有観客で久しぶりに舞台に立ったときの感動というか喜びは、今でも鮮明に覚えています！
辛かったこと、楽しかったこと、というと…音楽家というのは言い方は悪いですけど利益不利益でいうと、ものすごくコストパフォーマンスが悪い仕事です。たった一度の舞台のために何十時間という時間を掛けることになりますので…。しかし、素晴らしい芸術に常に携わっているという喜びの方が勝ります！ですので「苦しくて音楽やめたい〜！」と思ったことは一度も無いですね。

スタッフ：コロナは、私たちも考えさせられた出来事でした。世の中全体のダメージもありましたが、音楽は生ものなので当たり前だった演奏会が当たり前では無かったと…改めて芸術は尊いものだということを再認識しました。
そういえば、戸澤さんの江副さん紹介ページでの好きな言葉で「幸も100、苦も100」という言葉を拝見して、ものすごい演奏家としての覚悟を感じました。

戸澤：そうですね。音楽は、人間や世界のあまり良く無い部分さえも芸術にしてしまうという意味では、とても救われるものがあります。

スタッフ：たしかに、芸術は人そのもの、歴史そのものです。

運命的に決定した留学先、ドイツ・リューベック

スタッフ：留学についてお話しをお伺いしたいのですが、ドイツ・リューベックを留学先に選んだのはなぜですか？

戸澤：留学はリューベックに決定する前からしたいと思っていたのですが、ちょうど留学を決めていた年がコロナに被ってしまって…１年延期になってしまったんです。自分ではもう留学するつもりで計画していましたので、少し抜け殻のような感じになってしまっていました。そんな時、当時、芸大で習っていた玉井菜採先生がコロナで抜け殻になっている私に対して「リューベックのダニエル・ゼペック先生のところが良いらしいわよ」と珍しくご助言をくださって、その鶴の一声で大きく私を動かしました。すぐにあらゆる手段を使ってコンタクトを取り、オンラインで授業枠も取って、それまでとは打って変わって全てのことがスムーズにポジティブに事が運んだんですよね。普段はそれこそ私が何をしていても自由にさせてくださるような寛容な先生でしたので、そのたった一言のアドバイスはとても私に響きました。門下生の間では"放牧"なんて言われているくらいです（笑）

スタッフ：それは運命だったかもしれないですね！スムーズに行く時というのは、不思議に導かれているように事が運びますよね。

ゼロイチを創る難しさ

スタッフ：留学生活でよかった点、感動したこと、楽しいこと、苦しいことなど、印象的な出来事など…なんでもお話しいただきたいと思います。

戸澤：もちろん音楽的な面でダニエル・ゼペック先生には大きく影響を受けました。彼は普段は室内楽オケでコンマスをされていて、バロックヴァイオリンも弾くような方です。それで面白いのが、私とはまったく異なるレパートリーを持っていて…それこそシベリウスのヴァイオリン協奏曲は弾いたことがありませんと言っていました（笑）もちろん戸惑うこともあるのですが、逆に、曲や作曲家に対して偏見を持たずに向き合うことができるので良かったです。さらに、楽譜に真摯に向き合う、楽譜をリスペクトして向き合うというのを大切にされている方なので、ものすごく音楽的に良い影響があると感じています。
あとは人間的にもこっちはものすごく時間の流れがゆっくりで…よくドイツ人はきっちりしているといいますが、それは大嘘で、日本人の方が全然きっちりしています！リハーサルに時間通りに行って、自分が一番手じゃなかったことがないので…（笑）それだけでなく、リハの前日にリハの部屋を予約していなかったり…（笑）
こっちにいて辛いことというのは冬に日光が上らないことですかね〜。なのでこっちの方は日光が出ると「散歩に行く！」と、すべての予定をキャンセルしてでも散歩に行く人がいるくらいです（笑）
ちょうど留学を始めるタイミングというのは、日本でスランプというか…音楽的にも限界を感じている時期でしたし、何か、自分のことを誰も知らない街に行ってゼロからスタートしたいと思っていたタイミングでもありました。リューベックという街は、音楽家としても社会的にもゼロから生きる道を作らないといけなかったのでそれが大変といえば大変でした。しかし、友達ができてきて室内楽に誘われるようにもなってきて、その輪が広がっていくと、自分の実力と自分の人間性で創り上げたという確信が出てきますので、辛いこともありますが、それよりも充実感の方が勝りますね。

師匠ダニエルゼペック氏との写真

スタッフ：ゼロイチで何かを作り上げるというのは大変ですよね。それこそ今日お話しさせていただいて、最初に戸澤さんの演奏に触れた音コンの頃から、何か一皮も二皮も脱皮したような印象を持ちます。留学先でのそういった出来事がご自身の成長につながっていることがよく分かります。留学してそのほかに感動したことは何かありますか？

戸澤：この夏にリューベック音楽大学の学部を卒業したのですが、卒業演奏会をした際に、友達が祝福の気持ちを表して一輪のお花を買ってきて親しい友達に渡すという儀式があるのですが、自分は日本人だし、あまりもらえることを期待していなかったのですが、結果、抱えきれないほどのお花をいただくことができて、知らないうちに自分が周りと深い関係性を築くことができていたんだな、と実感して感動しました。

卒業リサイタル後、もらった花を抱えている戸澤さん

スタッフ：留学して、特にこういうことが変化した、ということは何かありますか？

戸澤：日本にいた時は、音楽以外のことに取り組むことに、ものすごく罪悪感に苛まれるタイプでした。自分の人生のすべてを音楽に費やさないといけないといった強迫観念といいますか…。しかし留学して、日常生活が色々な要素として音楽に影響を及ぼすということがわかり、割と余裕が出てきたと思います。
たしかサイモン・ラトルか誰かが言っていた言葉で「自分の人生は音楽のためにあるのではなく、音楽が自分の人生を豊かにするのだ」という風なことを言っていて、自分の中で腹落ちして、意識が変わったと思います。

スタッフ：なるほど、素敵な言葉ですね。演奏家という職業は一生物だと思うので、継続性が必要だと思います。プレッシャーで押しつぶされそうになることも事実あるかと思いますので…大切な価値観ですね。

ソロ、室内楽、オーケストラ
柔軟性を持ったオールマイティな人材に

スタッフ：現時点で、戸澤さんがお考えになっているやりたいこととか、将来の方向性とかをお伺いできますか？ソリストとして活躍されたいか、コンマスなどのオケマンとしてポジションにつきたいなど、ご自身の将来についてはどのようにお考えでしょうか？

戸澤：今すぐに就職したいという思いはないのですが、やはり、コンサートマスターになりたいと思います。ただし、ソリストや室内楽をやらないというわけではなく、バランス良く活動していきたいとは思います。

スタッフ：それはとても素晴らしい志だと思います！今の時代、オケマンだけに身を固めるのではなく、個として活躍されている方が増えてきたように感じています。もう少し広い意味で、どんな演奏家になりたいと思っていますか？

戸澤：分野にとらわれず、ソロでも室内楽でもオケでも場面、場面で柔軟性を持ってやるべきことができて自分の力を発揮できるような、そういうオールマイティな人材になりたいなと思っています。音楽が人を繋いでくれて、さらに人との繋がりが音楽の世界を広げてくれるという…何かそういう循環を自分で作っていけるようなイメージで取り組みたいと思っています。
演奏に関しては、「共感する」というのは難しいと思っていて（伝える、共感を生むというと、何か少しおこがましいと思ってしまうので）「共振する」という言葉が割としっくりきています。それこそ個性とかそういうのではなく、今、この瞬間を同じ場で共有するということが、とても尊いことだと思うので、それを大切にしたいですね。

スタッフ：たしかに！個性とは変な話し、簡単に出てしまいますしね（笑）なので、その背後にある何か普遍的なものを大切にされているのは、作品に対しての誠実さというか、敬意が感じられますね。

戸澤：個性の話でいうと、良くフランス人っぽいとかドイツ人っぽいとか良く言いますが…。私の場合、日本に生まれて日本人の血が流れていて、そういう人間がまったく異なる文化の中で生活しているわけなので、逆に言えば、自分のアイデンティティというのは無色透明の無地のキャンバスを何色にでも染められる、何にでもなれる、という感じです。
ヨーロッパではよく見られる光景なのですが、先日プラハに演奏に行った際にハンガリー人の学生と話す機会があって「ドイツ音楽には自分の言葉とかアイデンティティに繋がるものをすごく持っているので共感するから弾けるけど、フランス音楽はわからない」と話しているのを聞いて、日本人である自分はそんなことを言う必要も、思う必要もないな、と気が付きました。なので自分の個性はもちろんありつつも、「何にでもなれる」という、そういう音楽家になりたいですね。

スタッフ：日本人であるアイデンティティを、逆の強みに捉えられるわけですね！よく、日本人の緻密で細かくまじめな性質が音楽に向いているという意見は聞きますが、その意見は何か斬新です。

楽譜と向き合うこと、楽譜に忠実であること

スタッフ：ご自分の演奏の強みというか、魅力というか、または特性というか、そうしたものについてどのように考えられていらっしゃいますか？（大切にしていることなどでも良いです！）

戸澤：大切にしたいことは、楽譜をよく読むこと、楽譜に忠実であることです。忙しくても楽譜と向き合うことを大切にしていますね！特にドイツものなどはそういった基盤というか、ルールをもとに成り立っている音楽だと思いますので。私の場合、どう頑張っても楽譜に書かれていないことをやろういう気にはなれません。何を作曲家が思って、この指示を書いたのかというようなことを、頭をフル回転させて、例えばソロの作品であればピアノに座ってピアノパートを弾いてみるというようなこともします。
自分の魅力としては、さっきのお話と被りますが、個性というよりは柔軟性を持って取り組みたいなと思っています。
強みでは…ありがたいことによく言っていただけるのは音がいいと言っていただけます。

卒業リサイタルの様子

「若い」は当たり前

スタッフ：日本のクラシック音楽の現状は、いくつか問題をかかえていると思います。ご自身が音楽家として生きていくうえで、そうした現状について、どのようにお考えでしょうか？

戸澤：音楽の市場の問題はあまりわかりませんが…音楽に限らず普通に生きていて若い人に対してすでに完成品を求められる傾向があると思っていて、よく演奏を聴いて「若いね！」って言う感想を耳にすることがあると思うのですが、若い頃があるのは人間として自然なことだし、誰しも若い頃を経験します。音楽の場合、途中段階も芸術になってしまう面もあると思うので、それを踏まえたうえで、人として、音楽家としてそれ自体を寛容に楽しんでいただけるとありがたいなと思います。

スタッフ：それは何かわかるような気がします。インターネットの進化によって完璧な演奏に容易に触れることができてしまっていることにも原因がありそうですよね！「これが完成品か」と自分のイメージや先入観を持って聴いてしまうと視野が狭くなってしまいます。もちろん、正直なところ、私たちもそうした聴き方になってしまうこともあるとは感じていますが、若手演奏家さんが安心して活躍できるような活動を行っていきたいですよね。

戸澤：私はいま22~3歳の年で、学部でいうと同級生は卒業して、やれ就職だ進学だと焦っている友人を近くで見ていると特に感じます。音楽家としては20代前半というとまだまだこれからだと思うので…若手を伸び伸び育てていただける土壌があれば、嬉しいなと思っています。なるべく長く勉強を続けられた方が、より層を厚く、様々な経験を経て、何か変化していくことを恐れない柔軟な音楽家が育つのではないかなと思っています。

自分を振り返る旅──

スタッフ：最後に、本公演の聴き所など、お越しいただくお客様に向けてメッセージをお願いします。

戸澤：都内では久しぶりのソロリサイタルになります！なかなか美竹サロンさんのように、お客様と近い距離でがっつり室内楽というのはこれまでなかったので、近ければ近いほど、私の息づかいのようなものが空間に広がっていくような感じですので、逆に私の方も皆様の空気感を感じられるのをとても楽しみにしています。まだ留学中で変化の途中という段階ですので、自分の思うこととこれからの可能性というのを感じていただける機会となれば嬉しいなと思っています。

スタッフ：ありがとうございます！プログラミングもすごく考えられているなと感心しましたが、プログラムについてはどうでしょう？

戸澤：自分の人生のなかで、人との繋がりを生み、世界を広げてくれたような思い入れのある作品たちばかりです。個人的には自分を振り返る旅のようなイメージで組ませていただきました。少し語弊があるかもしれませんが、自分ができる最大限のことを出し切って、次へのモチベーションやきっかけに繋げていければ良いなと思っています！
それこそ、何年か経ても、また同じプログラムで弾きたいなと思えるような作品たちです。

スタッフ：ありがとうございました！当日を楽しみにしています。

（2023年11月14日収録。文責、見澤沙弥香）

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戸澤采紀ヴァイオリンリサイタル（ピアノ：森田悠介）

第85回日本音楽コンクール最年少優勝を果たした戸澤采紀の“今”
構成美と幻想美が織りなす渾身のプログラム

2023年12月15日(金)　
開演19:00 [満員御礼]
渋谷美竹サロン

⇨公演の詳細はこちらから

<プログラム>

ドビュッシー：ヴァイオリン・ソナタト短調
ブラームス：ヴァイオリン・ソナタ第1番ト長調 Op.78《雨の歌》
──────────
シェーンベルク：幻想曲 Op.47
シューベルト：幻想曲ハ長調 Op.159, D 934

＜プロフィール＞

戸澤采紀（TOZAWA Saki）Violin

第85回日本音楽コンクール最年少優勝、ティボール・ヴァルガ国際ヴァイオリンコンクール第2位（最高位)。これまでにヴァイオリンを玉井菜採、ジェラール・プーレ、保井頌子、ドンスク・カン、堀正文の各氏に、室内楽を原田幸一郎氏に師事。クフモ室内音楽祭オレグ・カガンメモリアルファンドスカラシップ受賞。江副記念リクルート財団第48回奨学生。2019年度東京藝術大学宗次德二特待奨学生。2021年度青山音楽財団奨学生。これまでにローザンヌ室内管弦楽団、読売日本交響楽団、東京都交響楽団、東京シティ・フィルハーモニック管弦楽団、東京フィルハーモニー交響楽団、群馬交響楽団など国内外のオーケストラと共演。使用楽器は、文京楽器の協力によりBeare’s International Violin Societyから貸与されているMatteo Goffriller。東京藝術大学首席入学後、2021年秋に渡独。現在リューベック音楽大学でソロをダニエル・ゼペック氏に、室内楽をハイメ・ミュラー氏に師事。

森田悠介（MORITA Yusuke）Piano

第58回ポセール音楽賞コンクール第2位、メンデルスゾーン・ドイツ音楽大学コンクール、カンピリオス国際コンクールにてディプロマ。
埼玉県立大宮光陵高等学校音楽科を経て京都市立芸術大学音楽学部卒業後、2018年に渡欧。ウィーンとザルツブルクにてイェルク・デームスの元で学ぶ。同氏の推薦を受け、マルタ・アルゲリッチの弟子でもあるコンラート・エルザー教授のもと、ドイツ国立リューベック音楽大学ソロピアノ科修士課程を満場一致賞賛付きの最高点で修了。
これまでにピアノを中井恒仁、安田正昭、武田美和子、砂原悟、コンラート・エルザー、オペラ伴奏法をロバート・ロッチ、歌曲伴奏をフローリアン・ウーリッヒ、チェンバロと通奏低音をピーター・ヤン・ベルダーの各氏に師事。またアンジェイ・ヤシンスキ、クラウス・ベスラー、ライナー・キュッヒル、ゲルハルト・シュルツより音楽的示唆を受ける。
現在ハンブルクに在住。ピアニストとしてのみならず、教育者としてもドイツ国内で青少年のための最大のコンクール"Jugend Musiziert"ハンブルク地区の審査員をつとめるなど活動は多岐にわたる。

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当サロン主催公演、シリーズ「メシアンの神秘」にご出演いただいている深貝理紗子さんが第10回＜柴田南雄音楽評論賞＞奨励賞を受賞されました。
おめでとうございます！！

＜柴田南雄音楽評論賞＞ the Minao Shibata Memorial Award for Musical Criticism
https://www.tohomusic.ac.jp/toho-arion/m_shibata_prize.html

柴田南雄音楽評論賞とは、作曲家で音楽学者、音楽評論家としても日本の音楽界に偉大な足跡を残した故・柴田南雄氏に敬意を表し、
音楽評論を社会に発表し、音楽文化の質の向上に貢献することのできる音楽評論家を育てることを目標として、
将来期待される有能な個人に対し、その活動を顕彰し、または助成する賞金を授与するためのものとされています。

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＜受賞作＞

［個評］演奏会評Ⅰ「音による天地創造の聖書－児玉桃メシアンプロジェクト vol.2」
［個評］演奏会評Ⅱ「幸福に至るメシアン－児玉桃メシアンプロジェクト vol.3」
［音楽時評／評論］音楽時評－無意識は誘い、待つ者を浸す

受賞作の『音楽時評－無意識は誘い、待つ者を浸す』は、芸術現代社の雑誌「音楽現代」11月号に掲載されています。
https://ongakugendai.com/2023/10/12/ongen-vol-53-no-11/

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深貝理紗子さんの文章に触れたとき、哲学的、色彩的、知的かつ詩的な文章に、一気に引き込まれました。

是非noteもチェックしてみてください。

深貝理紗子note✏️
https://note.com/musiquartier

＜インタビュー記事＞

音楽についてのみならず、政治や歴史、絵画や文学に至るまで…幅広い見識の持ち主である彼女は、まさに知識の泉。
誇張するわけでもなく、ごく自然に日常のことのように話される姿が、とても印象的でした。

フランス音楽を聴く──（2022年1月17日公開）
https://mitakesayaka.com/news-61.html

深貝理紗子、メシアンの神秘に迫る──（2023年6月18日公開）
https://mitakesayaka.com/news-2023-6-24fukagairisako-messiaen.html

＜プロフィール＞

深貝理紗子（FUKAGAI Risako）Piano

パリ・エコールノルマル音楽院最高高等演奏課程)及びパリスコラカントルム音楽院コンサーティスト課程)を審査員満場一致の最高評価を得て首席で修了。
東京音楽コンクール第 2 位、ショパン国際ピアノコンクール in ASIA コンチェルト C 部門アジア大会ブロンズ賞、フランスピアノコンクール第 1 位、C.カーン国際音楽コンクール第3 位、J.フランセ国際音楽コンクール入選等国内外で受賞。
東京文化会館や渋谷美竹サロンシリーズメシアン音楽の神秘』)、山手ゲーテ座等の主催公演に出演。下野竜也氏や川瀬賢太郎氏の指揮のもと東京交響楽団等と共演。
2022 年秋にティートックレコーズよりメジャーデビュー。日本初録音を含む CD Parfum』を全国リリースし、芸術現代社の専門誌音楽現代』推薦盤、音楽之友社の月刊誌 stereo』特選盤に選出された。
これまでに横山幸雄、オリヴィエギャルドン、島田彩乃、大西真由子の各氏に師事。
レパートリーはバロックから現代音楽の新曲初演まで。とくに近現代音楽を中心に、音楽サロン文化などの芸術文化全般を交えたアプローチを展開している。
現在演奏活動の傍ら、主宰音楽教室、インターナショナル音楽教室等にて後進の育成とクラシック音楽の普及に尽力している。

渋谷美竹サロン・スタッフ一同

','seo_title':'深貝理紗子さんが第10回＜柴田南雄音楽評論賞＞奨励賞を受賞！','seo_meta_keyword':'','seo_meta_description':'当サロン主催コンサートにご出演いただいている深貝理紗子さんが第10回＜柴田南雄音楽評論賞＞奨励賞を受賞されました。おめでとうございます！！フランス音楽に造詣の深い深貝氏ですが、当サロン主催公演にてシリーズ「メシアンの神秘」にて、ご好評いただいております。 ','url':'10-2-fukagairisako.html','status':'published','allow_comment':'0','images':'assets/uploads/profile/fukagai_risako/IMG_3377.jpg','created_by':'1','updated_by':'1','created_at':'2023-10-24 15:29:12','updated_at':'2023-11-05 14:58:27','categories':null},{'id':'183','publish_date':'2023-10-16 21:54:14','modified_date':'2023-12-01 17:56:37','genre':'2','title':'【吉田友昭さん】ショパンに寄せて──「最初から本質」驚きの吉田友昭の演奏スタイル','content':'

吉田友昭氏は国内にて様々な演奏・指導活動を行うと共に、東京音楽大学にて専任講師を務める注目のピアニストだ。
第79回日本音楽コンクール第１位、マリア・カラス、ホセ・イトゥルビ、マリア・カナルス、ハエン、シドニー他の国際コンクールで優勝・入賞。

日常では“先生”と呼ばれる存在である彼だが、己の魂、その感性のすべてを出し切るような演奏スタイルに、強烈な“アーティスト魂”を感じずにはいられない。
演奏のみならず、鋭い感性、幅広い知性、本質を突いた彼の言葉は、今を生きる若手演奏家に多くの影響を与える重要な存在だろう。

今回、ショパンの重要な作品たちが一挙にプログラミングされ、挑戦的なプログラムを同日２公演開催する運びとなった。

ヨーロッパに12年間居住して帰国という欧州の経験が長いため、海外でのリアルな演奏活動のお話しや、
後進の指導に当たりながらも、演奏家として、常に己の限界に挑戦し続ける秘訣などを伺った。

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フレデリック・ショパン１２３　ピアノ：吉田友昭　
2023年11月19日(日) 15:00開演[満員御礼]／19:00開演[追加公演]

F.ショパン：
ピアノ・ソナタ第2番「葬送」変ロ短調 Op.35
バラード第1番ト短調 Op.23
スケルツォ第2番変ロ短調 Op.31
ノクターン第3番ロ長調 Op.9-3
ピアノ・ソナタ第3番ロ短調 Op.58

※追加公演はプログラム、チケット代が異なります。あらかじめご確認ください。

15:00開演[満員御礼]⇨詳細・キャンセル待ちはこちら

19:00開演[追加公演]⇨詳細・ご予約はこちら

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ショパンの音楽

スタッフ：吉田先生の演奏を聴けば聴くほど、何か本質的な大曲を聴きたくなってきたこともあり、ピアニストの憧れともいえるショパンのソナタ３番を、私たちからご相談させていただきました。その他のプログラムについてはお任せとしましたが、プログラムの意図を教えてください。

吉田：このサロンの主催公演「１２３シリーズ」（“いまここ” からすべてが始まるという過去の生、今の生、将来の生を象徴する）という名称に絡め、バラード１番、スケルツォ２番、ソナタ３番をまず決めたうえで「ソナタ２番の葬送も弾いたら面白いんじゃないかな？」と思い、プログラミングしました。

前半はスケルツォが変ロ短調なので、ソナタ２番を入れることで変ロ短調が二つ揃います。
さらに、後半はノクターン３番がロ長調で始まり途中でロ短調となる一方で、ソナタ３番はロ短調から途中でロ長調と、調性的にも統一感があって良いプログラムだなと思い、今回のプログラムとなりました。

特にこちらのサロンは自分のやりたいことに100%集中させていただけるので、PRから準備から何から何まで150点満点以上の環境で本当に感謝です。
そうなると本番はショパンのことだけを考えて集中できるので、実は１ヶ月くらい悩んでプログラミングしました（笑）

スタッフ：本当にすごいプログラムですよね！クラシックファン、特にピアノ学習者にとってショパン（1810-1849）は特別な存在だと思います。また、注目の吉田先生がショパンを演奏されるというので…。それも、ショパンの最高傑作ばかりが詰まったプログラムだと思うのですが、吉田先生にとってショパンの音楽とはどんな存在ですか？

吉田：私も小さい頃からショパンばかり弾いていましたし、途中、サッカーばかりでピアノを弾かなくなった時期もショパンの音楽だけは当時CDやテープなどで聴いていました。
ショパンの音楽は、聴く側にとってはとても憧れが詰まっていますし、それでいて親しみやすさもあります。
しかし、これが弾く側になってみると、途端にその難しさが立ちはだかり、夢見るどころか「え？！こんなに難しいの？！」って…（汗）

特にこのショパンという人は妥協しない作曲家だったと思うんですね。
妥協しないという点でいえば、トップ２がショパンとベートーヴェン（1770-1827）だったと思います。

ベートーヴェンについては耳が聴こえなくなったという要因が大きく影響したと思うのですが、ショパンの場合は故郷であるポーランドを離れ、ワルシャワ蜂起もあり、色々あったなかでパリに落ち着いた経緯などを考えると、政治的背景による環境要因が彼の作風に大きく影響したのかなと思います。

例えば、同じ時代のリスト（1811-1886）と比べると、リストは社交ができて、自分の大切なものが心にありながらも、うまく妥協しながら社会との繋がりをもてるタイプだったと思います。
シューマン（1810-1856）も、精神病を患っていて、難しい人だったといわれていますが、少し妥協が見られます。
もちろん、クララの支えが大きかったと思いますが、例えば指揮者としての活動や、レッスンもかなりの人数を教えていたようですし、なんとか社会と繋がる術を見つけていたようです。そしてブラームスだったりショパンなどなど尊敬する他の作曲家への応援文章がものすごいこと。
しかしこれがショパンとなると、レッスンもすぐにクビにしちゃうし…（笑）
ショパンが公職に就いたという話を私は聞いたことがありません。
演奏会についても「こんな大きいホールでは弾かない、今日はこの人たちの前では弾かない」なんてこともあったり…（笑）周りの人達は常に気を遣ったでしょうね。

弾く側になって、ショパンを知り、寄り添い、彼の人柄にアプローチするうえで「こんなに難しい人だったのか・・・」というのが一つ、課題としてありました。
しかし、彼のように妥協しないで生きていくというのは、すごく憧れますよね。
現代の人間社会においてはとても難しいことだと思いますが…。
彼はほとんど妥協しない…ただ、支えてくれる人たちに恵まれた人生でした。
彼の持つ不思議な魅力、人を惹きつける力（マグネティズムというのですが）、そういうものがすごくあったと思います。それはベートーヴェンにもいえます。
我々演奏家も、だからこそ、彼の音楽に憧れ、一生かけて弾いていきたいと思えるのかもしれません。
「彼の生涯に共感する」というのは、この現代の日本に生まれた私には難しいところですが、作品を通して、様々な形で寄り添っていけるように試行錯誤すれば、きっとショパンが降りてきてくれるかなと思って、日々ピアノを弾いています

コロナが明け、また別の意味で難しい時代になってきましたね。
色々な意味で楽しい時代ともいえるでしょうが、一人の時間が無くなり、皆なんとか妥協しながら自分を見失わないようにしつつ、日々、忙しく生きている方が多いと思います。
私も何か、そのなかでショパンという作品を通して、お客様に日々やこれからを振り返っていただける機会になれば、これはもうピアニストとして、演奏家冥利に尽きますね。

スタッフ：ありがとうございます。サロンとしても何か、あらためてミッションというか、“サロンの軸”というものがとても大切だなと感じていたところだったので、ショパンのこの妥協のない芸術家としての生き方にはとても共感します。

日々、難しい社会のなかに身を置く私たちにとって、このサロンの空間だけは、自分のなかにある美意識であったり、癒しであったり、心であったり、何か「自分のなかの大切なことを大切にできるような場所」であって欲しいということを再発見しました。そういう時間というのはとても尊いものだと思っています。

吉田：そうですね。ある意味、ショパンの音楽から現代を生きる我々が学ぶことができる機会ともいえそうですね。
僕は歴史、特に大河ドラマが大好きですから、家康から学べることもありますしね！
歴史を学ぶと現代の見えていなかったところが見えてきたり、大切な気付きになります。

「最初から本質」驚きの吉田友昭の演奏スタイル

スタッフ：吉田先生の演奏スタイルについてお伺いしたいです。聴き慣れている曲なのに、最初から核心を突くような演奏スタイルに引き込まれてしまいます。
普通、ウォーミングアップみたいな感じで、だんだん調子を掴んでいくようなリハーサル風景が当たり前だと思っていたのですが…何かいきなり本質に切り込んで行くので「この演奏スタイルはなんだろう？」と、驚いてしまいます。

吉田：最初から本質というのは嬉しいです。
それはもう、今日は朝からサウナに行って、整えてから来ましたので…（笑）
今日は確かに本番ではなく収録ですけれども、やるからにはそこは妥協しないで臨みたいと思っています。もちろん、人それぞれ考え方があるとは思いますが。
僕の場合は誰かとのご縁をいただいて、共同作業で行う時間は、せっかくだから100%、いや150%で臨みたいと思っています。

スタッフ：私もかれこれクラシック音楽を40年聴いていますが、吉田先生の演奏って、指揮者のカルロス・クライバー（1930 - 2004）の演奏を初めて聴いたときの衝撃と同じような次元の異なる衝撃を味わってしまいました。

吉田：それはおかしい！大袈裟というか、そんなことは絶対ないです！（笑）
前も申し上げたと思いますが、僕の夢はカルロス・クライバーと共演することでしたから！
僕もめちゃくちゃ大好きですよ。今の子はクライバーを知らないので、残念ですよね。

スタッフ：演奏家さんによって、個性や特色が現れて素晴らしいなといつも思うのですが、吉田先生の場合、何か「見たことも聴いたこともない」吉田先生の演奏を形容する言葉が見つからないのです。

吉田：良い意味でも悪い意味でも、私は人の真似をしません。
もちろんこれから取り組む曲は何百回も聴いています。それこそ、過去の巨匠から今の若手まで…。
この人は何を伝えたいのだろうと自分なりに研究して発見もあり、逆にあまり伝わってこない人の原因を探ってみたり、そんなことをしながら音楽作りを進めます。
ショパンのソナタは２曲とも誰のレッスンも受けてこなかったですし、ソナタ３番は演奏会では初披露となるので、楽しみです！
演奏会のときは、演奏家が表現する喜びを持って弾くべきだと思いますし、それが表現者のあるべき姿だと思います。
なので、「見たことも聴いたこともない」というご感想は非常に光栄に思いますし、僕自身も毎回、自分が聴いたことのない演奏を自分でしています。
さっきの演奏も、もう覚えていないし…ちょっと思い出すと、すごいことやっていたなと思いますしね（笑）

演奏家の役割とは何か？

スタッフ：吉田先生の演奏に接して「音楽とは何だろう？演奏家の役割って何だろう？」と、改めて考えてしまうインパクトです。
皆、白と黒のただの同じ楽譜をもとに演奏しているはずなのに、なぜ吉田先生の演奏はこうも生き物のように瑞々しく我々のハートに直接、伝わってくるのだろう、と。
当たり前のことではありますが、演奏家さんによって、同じ作品でもまったく違った作品に聞こえる理由はなぜなんでしょう？

吉田：たしかに、楽譜というのは、黒と白の必要、最低限に記載された死んだ文字と記号です。
もちろん、見る人が見れば色々なことが伝わってくるのでしょうが、幼児から見れば絵本の方がおそらく価値があると感じるわけですし…不思議ですよね。
現代音楽の楽譜と違って、当時は音符を大きく書いたり小さく書いたりするわけでもないですし。
最近、同じテーマで私も考えていたのですが、ふとドラマを見ていて、台本や脚本をもとに作品（舞台）作りをする俳優さんと同じだなと気が付きました。
台本の文字も印刷されて死んでいます。それを読み取って、演出家さんや俳優さん一人ひとり考えが違うなかで、向き合い、考えつつ、それらを生きたものにしていく…そういう作業がきっと俳優さんの仕事なんだと思います。
演奏家も同じです。日々積み上げていく作業があり、個人個人で考えを深める作業もあり、
当日どういう現場になるかわからない…この点も演奏家と共通しています。

スタッフ：まさに演奏家自身の生き方が現れる仕事ですよね。よく、舞台の上では隠せないというのも今のお話で頷けます。

常に、表現者としての喜びを──

スタッフ：吉田先生の演奏は、いつも生き生きと、瑞々しく、新鮮な思いで演奏されているのが伝わってきます。
演奏家として、常に新鮮さを持ち続けられる秘訣を教えてください。

吉田：そうですね、演奏家が努力するだけでは難しいと思います。
調律師の重要性、楽器の重要性、会場の運営の方の重要性、様々な要素が揃って、初めて良い演奏会が成り立つと思うので。
例えばヨーロッパだと、ギャラ振り込まない→問い合わせる→音沙汰無し→裁判起こすぞ！とか、もう普通なので（笑）
「それでも俺は弾いてやる！」っていうふうに自然と自らを掻き立てるようになるんですよね。他にも、当日、会場に行ってもピアノがあるかわからないし、そもそも飛行機が飛ぶかどうかもわからない、調律師が来るかどうかもわからない…そんなことが何回もありましたね。
行ってもお客さん４人とか、告知するのを忘れていたとか…（笑）しかもそれがバルセロナとか大都市ですよ。主催者さん自身もコンサートがあることを忘れていて300m先の会場にアルゲリッチを聴きに行っていたとか（笑）
そういうことが普通にあるので、「それでも俺は弾いてやる！」っていうモードになるのですが、日本ではそんな杜撰な運営はあり得ないですよね。
あまりにも恵まれすぎているがゆえに、少し集中するというのが難しいのかもしれません。
なので、演奏家はよほど優れたマネージャーに恵まれ、日々の過ごし方に気をつけて意識していかないと、世間に揉まれていってしまうという危険性がありますよね。

だからこそ、私はここ（サロン）で演奏するのが好きなんですよ。
やりたいことに集中できますし、お客様全員とも繋がっているような感覚があります。
例えば、大きなステージで、これが難しかったという経験をしたこともありまして…。
2000人の前でリサイタルを行ったこともありますが、この規模になってくるとお客様一人ひとりという感覚はさすがに難しいですね。
演奏も、自分が表現したいことというよりも、パフォーマンスというかショーみたいな弾き方になってしまったりしますよね。私が未熟で実力不足という原因もありますが。
特にヨーロッパなんかでは、自分では「あまりうまくいってないな〜」と思っても、なぜかブラボーの嵐になったり（笑）
オランダなんかですと、スタンディングオベーションが普通にありますし！
コンセルトヘボウでリサイタルをした時は、小ホールで400〜500人規模でしたが、全員がスタンディングオベーションになった時は、さすがに「私ってキーシンか何だっけ？」と勘違いしそうになりました（笑）オランダでは普通のことなのに。

とにかく、演奏に集中させてもらえる環境があったうえで成り立つことなので、このステージに立てる機会と、お運びいただけるお客様への感謝の気持ち、関わる方との連携や信頼があって、100パーセント自分を解放できると思っています。とても充実感を感じています。

スタッフ：ありがとうございます。
このような一次情報はこれから音楽で生きて行こうと試みる人たちや、聴き手にとっても重要な情報だと思います。だからこそ、小さなサロンではありますが、この日本で、この渋谷でサロンを運営することができる尊さを改めて実感しています。
今回のオール・ショパン・プログラムでは、プロの方や玄人の方が何かと注目されている吉田先生がどんな“表現”をされるのか、心から楽しみにしています。

（2023年10月2日収録。文責、見澤沙弥香）

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フレデリック・ショパン１２３ピアノ：吉田友昭

鬼才、吉田友昭
ショパンの精神に迫る１番、２番、３番の作品をセレクト

2023年11月19日(日)　
開演15:00 [満員御礼]
開演19:00 [追加公演]
渋谷美竹サロン

追加公演⇨公演の詳細はこちらから

<プログラム>

F.ショパン：
ピアノ・ソナタ第2番「葬送」変ロ短調 Op.35 ※昼公演のみ
バラード第1番ト短調 Op.23
スケルツォ第2番変ロ短調 Op.31
ノクターン第3番ロ長調 Op.9-3 ※昼公演のみ
ピアノ・ソナタ第3番ロ短調 Op.58

＜プロフィール＞

吉田友昭（YOSHIDA Tomoaki）Piano

札幌市出身。東京芸術大学を経て20歳時にヨーロッパへ移住。パリ国立高等音楽院にてミッシェル・ベロフ、エリック・ル・サージュに師事。同音楽院を一等賞の成績で卒業後、イタリア・ローマ聖チェチーリア音楽院にてセルジオ・ペルティカローリに師事し修了。ザルツブルク・モーツァルテウム音楽大学ポストグラデュエート課程にてパヴェル・ギリロフに師事し修了。
第79回日本音楽コンクール第1位。マリア・カラス、ホセ・イトゥルビ、マリア・カナルス、ハエン、シドニー他の国際コンクールで優勝・入賞。スペイン、イタリア、オランダ、ドイツにて演奏ツアーを行う。バルセロナ・カタルーニャ音楽堂、アムステルダム・コンセルトヘボウ、ミュンヘン・ガスタイク文化センター、バレンシア音楽堂にて演奏。フランスに5年間、イタリアに4年間、オーストリアに3年間居住した後、2015年に日本に帰国。現在は国内にて様々な演奏・指導活動を行うと共に、東京音楽大学にて専任講師を務める。2022年は第76回全日本学生音楽コンクールの審査員を務める。趣味は歌舞伎鑑賞、サウナ、ランニング。

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平素は格別のお引立てを賜り、厚く御礼申し上げます。
誠に勝手ながら、以下の期間を休業とさせていただきます。

＜夏季休業期間＞

2023年8月14日(月)〜2023年8月17日(木)

※休業期間中にお問い合わせいただきました件に関しては、2023年8月18日(金)AM10:00より順次ご対応させていただきます。
なお、上記期間前にお問い合わせいただいた期間中のサロン貸出につきましては通常通りご対応させていただきます。

緊急で御用のある方は下記のお電話番号へご連絡ください。

０７０ー２１６８ー８４８４

期間中は何かとご迷惑をおかけしますが、何卒ご了承の程宜しくお願い申し上げます。

渋谷美竹サロン／株式会社ILA

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2015年渡仏。パリ・エコール・ノルマル音楽院の最高高等演奏課程に授業料全額免除奨学生として在籍し卒業。パリ・スコラ・カントルム音楽院ヴィルトゥオーゾ課程及びコンサーティスト課程を審査員満場一致の最高評価を得て首席で修了し、フランスものを得意とするピアニスト深貝理紗子さん。（以下敬称略）
昨年の公演「メシアンの神秘」では、メシアン特有の音響や色彩をサロンという親密な空間で体験でき、好評を博しました。
さらに、彼女のフランス音楽や現代音楽の造形の深さ、視野の広さ、思考の深さ、鋭い感性に驚くばかりです。
音楽についてのみならず、フランスのサロン文化の歴史や政治など、幅広い見識の持ち主である彼女は、まさに知識の泉。

今回、サロンが旗をあげて取り組む特別企画、作曲家オリヴィエ・メシアンをテーマとした演奏会第２弾を開催するにあたって、お話しを伺いました。

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メシアン音楽の神秘２　ピアノ：深貝理紗子　2023年6月24日(土) 15:00開演

⇨詳細・ご予約はこちら

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メシアンは体験するもの

スタッフ：昨年のメシアン（フランス・1908-1992）の演奏会、とても印象的でした。
その空間にいた皆さんが一体となったような感じがしましたが、今年はどんな演奏会になることを期待しますか？

深貝：昨年、このサロンという素敵な空間も相まり、お客様と一体となって、私もとても心地よい空間で演奏できました。
昨年を振り返ると、ちょうどロシア・ウクライナ戦争が始まる頃？だったので、情勢的にもちょっとピリピリしていたと思います。
たまたまですが、プログラムも火の島なんかはバイオレントと記載されているような作品であったり怒りを感じるような作品も多く、時に緊張感のある雰囲気も漂っていましたが、お客様にあたたかく見守っていただいたような感覚もありました。

今年はもう少し、自然体の日常に近いイメージで、暗いものというよりは爽やかな風であったり、光の多いイメージであったり、そういった部分を出していきたいなと思います。
心地よく、色彩的で、光や香りが多いプログラムになっており、昨年よりもリラックスできる内容かと思います。
ドビュッシー（フランス・1862-1918）も、昨年は結構プレリュードの無調のものを入れたのですが、今年はデュカス（フランス・1865-1935）についても牧神関連で繋いでみたので、メシアン以外の作品からも色彩感が感じられるかなと。
昨年よりは色合いが明るいですね。
前半にベリオ（イタリア・1925-2003）の作品を取り入れていますが、水や風が感じられるような自然の音が入っているようなピアノ作品をセレクトしました。

ドビュッシーの生家にある「パン（牧神）と羊飼い」の像。ドビュッシーにとってもその後のフランスの作曲家にとっても「牧神」（神話の半獣神）は重要なアイコン

サントシャペルのステンドグラス。メシアンの色彩の源

スタッフ：それこそ、クラシックの公演に行こうと思ってプレイガイドを探してみても、なかなかベリオの作品に触れることって少ないと思うのですが、もし初めて聴く人にベリオの特徴をお伝えするとしたら、どんな作曲家だと思いますか？

深貝：今回演奏する2つのピアノ作品は、ベリオの作品のなかでより「曲っぽい」と思います（笑）
というのも、一番最初に私がベリオを聴いたのは高校生の時で「セクエンツァ」と「シンフォニア」という作品だったのですが、まるでパッチワークみたいに曲が変わって行くんですね。
人の声が突然入ってきたり管弦楽のドビュッシーやラヴェル、バッハやベートーヴェンなどの一部分が合わさっていたりというのがあったり…。
その中の歌詞の一部分がクロード・レヴィ＝ストロース（20世紀の社会人類学者・哲学者）の『神話論理』のなかの言葉が入っていて、それが20世紀の音楽家へも与える影響が大きく、さらに時代が終わるきっかけを作ってしまった人でもあります。
なので、もちろん賛否両論があるかもしれません。
クロード・レヴィ＝ストロースの『神話論理』に書かれているような「文化と自然の在り方」や「音楽は神話のように天上と地上を交感できる存在」という考え方はベリオだけではなく、メシアンに通ずるものがあるので、そういった裏の面から見ても面白いプログラムかもしれないです。

スタッフ：そういう背景があったのですね！
そこまでの情報量をあらかじめ共有していただけるのは、とても興味深いです。

深貝：そうですね。ただ今回セレクトしたベリオの作品はそこまで尖っていないので、割と初めて聴く方でも馴染みやすいかなと思います。
ベリオは実験音楽を試みた人なので、ジョン・ケージ（アメリカ・1912-1992）やブーレーズ（フランス・1925-2016）もそのあたりですね。
ジョン・ケージをメシアンと関連付けるのだとしたら「偶然性」という要素でしょう。
ジョン・ケージとブーレーズは私の感覚から並べると喧嘩しそうな感じだと思っています。
ブーレーズは偶然性を重視しつつも、必然性があるというような枠組みや形式的なものを完全には破壊しなかったのに対して、ジョン・ケージは偶然性オンリーだったので、完全に破壊しているという違いがあります。
ベリオについては、そこまで自分のこだわりは強くは無いけど、偶然性という要素を重視していたようです。あとは一つの和音がずっと最後まで聞こえているようなイメージでと楽譜に記載されていたりと（物理的には聞こえていないのですが）そういったところに彼の面白さというかメッセージが感じられますよね。

スタッフ：デュカスについてはどうでしょう？一般的には魔法使いの弟子くらいしかイメージしかなくて…（笑）

深貝：そう、デュカスはメシアンが大好きだった先生です！デュカスのオペラ『アリアーヌと青髭』を聴いたメシアンは、少し恥ずかしがりながらも「あの色彩感が忘れられません。そこには幸福しかなかった」と熱烈な手紙を送っています。
なのでやはり彼の色彩感にはすごく影響があったと思います。
メシアンの曲の中にもデュカスのための追悼の作品なんかもあって、それと同じ比較としてスペインの作曲家ファリャ（スペイン・1876-1946）も作品を作っています。そのあたりを並べるのも面白いかな〜と実は思っていましたが…
ドビュッシーを崇拝するアパッシュというグループ（1900年頃にパリの音楽家、詩人などが結成した芸術グループ）があって、ファリャとラヴェル（フランス・1875-1937）はそこのメンバーだったので、とても仲も良かったようです。

スタッフ：なるほど〜そう考えるとロマン派みたいで面白いです。
いつも驚くのですが、深貝さんの知識量、すごいですよね…。
深貝さんはなぜフランス音楽にそんなにお詳しいのですか？

深貝：フランス音楽は私にとって風通しが良いというか、すっと体に入ってくるような存在です。
あとは音楽だけでなく、他の絵画や詩、文学など、いろいろなものが関わっていて、さらに深掘っていくとその前の音楽家と関わっていたりとか、いろいろな関係性が見えてきて面白いのです。
それでいて、あまり「作り込もう」とはせず、「自然な生活の中で」生まれる音楽が多いような気がして、人間っぽい感じが素敵だと思っています。

スタッフ：なるほど、それがフランス音楽の軽妙洒脱な印象を生み出しているのかもしれないですね。

深貝：絶対こういう風に聴いて欲しいという強い何かというよりは、もちろん一本芯はあるんですけど、この面から聴いてもこの面から聴いても良いよ、というような受け皿の広い感じが良いですよね。

自分のピアノは「オタク」

スタッフ：ご自分のピアノについてどう思っていますか？

深貝：自分のピアノは・・・・オタクでしかないかと・・・（笑）

スタッフ：オタク！わかる気がする（笑）

深貝：ピアノを弾いていない時間も歴史や背景を調べたり、実際に作曲家がどんな人だったのか、その人が読んでいる本を読んでみたり…そんなことでも楽しめちゃうんですよね。

スタッフ：探究心というか好奇心というか、それがすごく伝わってきます！

深貝：これ勉強しなきゃというよりかは、楽しくてあっというまに時間が過ぎていたみたいな…。

スタッフ：いや〜才能ですね。よく努力は夢中には勝てないという言葉がありますが、まさにこのことですね！体現されていますね。
先ほどのリハーサルの様子をお聴きしていたのですが、空気を吸って吐くたびに、サロン全体であらゆる方向からメシアンの音楽が自然に現れてくるような、そんな感覚になりました。

作品の持つ温度感を自然に伝えていきたい

スタッフ：深貝さんはどんな演奏をして目指していますか？
これからの抱負なんかも教えてください。

深貝：そうですね、たぶん今までのまま行ったら、レパートリーはフランス近・現代が中心になるかなと思います。
そこから関連した作曲家たちプラス、あまり日常から離れすぎないような作品に取り組んでいきたいですね。
なんでしょう。例えば「芸術はこうであるべき」みたいな感じではなく、あまり芸術を誇張しないというか、美化しすぎないというか…。

スタッフ：えっと、それはベートーヴェン（ドイツ・1770-1827）のことでしょうか？（笑）

深貝：いえいえ、ベートーヴェンはあの時代を考えるととても人間らしいと思います！
私ができることとしては、そういった作品のもつ温度感を自然に伝えていきたいのです。
演奏会という場所は「今どういうことを伝えたいのか？」ということを、音楽を通じて訴えかけられる、社会的意義を持つ場だと思います。
そして昔はさらに、そういう要素が強かったと予想します。宮廷で弾かないといけないという場合は該当しないかもしれませんが、ベートーヴェンの作品も、哲学書のように感じられたり、生き方や主張を感じられる作品もありますよね。メシアンも「ベートーヴェンは苦悩と葛藤を乗り越えたから感動的な作品を残せた」と語っています。
そういった作品の本質的な部分を出していける演奏をしていきたいですね。

スタッフ：温度感を自然に…というところが、今の時代、とても珍しい演奏スタイルのような気がしてお話を聞いていました。
それこそ、コンクール主義ということもあり、熱中して作り込めば美しいというような価値観が前提であるような気がします。
もちろん、どちらも芸術を追求する姿勢は同じだと思いますので、逆とまではいかないかもしれませんが、もう少し肩の力を抜いて、そういった自然の美しさを見つめ直すのも大切なことだと思います。

深貝：作ることだけに集中してしまうと、気づいたら視野が狭くなってしまうような気がしてしまって…。
温度を高くして熱中して作っているものほど温度が低くなってしまうときもあるような気がするんですよね。
例えばプロコフィエフなんかを弾くときはあえて温度を低くして冷たくした方がフィットすることがあります。人間味を排除したほうが、人として訴えたかったことを引き出せるかもしれない、と思うからです。だから彼の色彩感にはどこか空元気のようなものを見ています。
作っているものを見てくださいとなると、どこか綺麗事っぽく感じてしまうこともあって…気が付かないうちに温度感をなくしてしまうのが怖いなと思っています。

スタッフ：なるほど。
練習して、作り込んで、本番があってというフローが当たり前になってしまっているような気がするので、温度感を客観的に捉えて、俯瞰した方がより美しくなる場合もあるかもしれないですね。

深貝：あとは会話と一緒で聴衆とのコミュニケーションが取れるようにしたいですよね。
一般的に言われている、インスピレーションに近いのかもしれません。

近・現代音楽をどう捉える？

スタッフ：深貝さんは近・現代のレパートリーがとても豊富だと思うのですが、ずばり、現代音楽って何だと思いますか？
それこそ、日本音楽コンクールの作曲家部門も実演がなくなってきたりと、現代音楽が止まってしまっている（もしくは衰退している）ように感じるのですが、どうでしょうか？
「どのように捉えられているか？」もしくは「これからどうなっているのか？」などお聞かせいただければと思います。

深貝：あ〜たしかに、少し敬遠されがちなジャンルですよね。
前提として、現代音楽とは、バッハのもっと前の音楽、それこそグレゴリオ聖歌から遡って知っている（あるいは学んできた）現代を生きる人が作っている音楽のことを指します。
なので、良く現代音楽を「破壊」と表現される方がいますが、私は「アップデート」だと思っています。
例えば、ベートーヴェンの時代の作品のようなストレスのかからない和音に対して、その時代時代に生きてきた人たちが「今どう思うか？」という試行錯誤を重ねていったというイメージです。
ですので、伝統を破壊してまた新たに構築するというよりかは、伝統を守るプラス発展させていると考えます。
例えば、少し不思議な和音を重ねていったりとか、何か概念を破壊するものもありますよね。
「こうであるべき」という枠組みだけで決めてしまうと、そこに共感する人しか聴かなくなってしまって、すごく細い線になってしまうと思います。
コンクールの作曲部門で実演がされないことは驚きました。一層閉ざされた印象も受けてしまいかねません。武満徹の言葉に「舞台があって、演者と聴き手の生のコミュニケーションを感じて初めて、自分の曲がどんな曲なのかわかるんだよね」というとても素敵なものがあって、私も演奏するときに大切にしています。現実的に、コンクールの運営も大変な負担があると思いますが、音楽である以上演奏はされるべきと考えます。さらにそれはたった一度のコンクールのために消費されるわけではなく、今後も演奏され続けるものとして、一演奏者として興味を持っています。

スタッフ：本当にその通りです。
現代音音楽の取り組みについて、最近興味深いと思ったことを教えていただけますか？

深貝：例えば、今、フランスなどで見られるのは自動ピアノと一緒にセッションするというものがあります。
ですが、自動ピアノ自体が発明されたのは1800年代なので、実はすごく古いものなんですね。他で言えばファックスなども発明された時代ですよね。
オルゴールの原理で空気を送ることによって鍵盤が動くようになっているので、実は単純なのです。
演奏家にとっても、録音技術がまだ発展していなかった時代だったので、自分の演奏を後世に残すために発明されたのが始まりだそうです。しかしそのあと録音技術が発展していったので、一旦、自動ピアノは世の中から消えてしまいました。

この話からもわかるように、現代音楽って前衛的な印象を持たれがちなのですが、実は昔の人がやってきたことと、そんなに変わらないんですよね。
シェーンベルク（オーストリア・1874-1951）が調を壊していったといわれていますが、その前の音楽が大嫌いだったからではなく、好きで好きでたまらなくて、こんな素晴らしい音楽がどうしたらもっと可能性を広がるのかなと（もっと人間の声として広がるのか）という探究心からまず調を破壊したという背景があります。
メシアンも同じで、和音がもっと無限大になるような工夫が随所に見られます。音がぶつかり合うように書かれたものに抵抗のある方もいると思いますが、メシアンは音が重なり合うほど色彩も光も増していくと考えていたようです。
メシアンは敬虔なクリスチャンであったにも関わらず、ヒンドゥーの音楽（リズムパターン）が大好きでそれを取り入れています。
なので、西洋音楽というのがキリスト教の音楽と思われがちですが、そこにメシアンが他の宗教のリズムパターンを入れたというのは、実はとても破壊的な試みだったと思います。
メシアンが「まなざし」を出したときは、批評家たちはすごい大ブーイングだったそうで…メシアン事件と言われたくらいです。
しかし、それを擁護していたのがプーランク（フランス・1899-1963）だったのも興味深いですよね。

スタッフ：なるほど！その繋がりからも現代音楽の変遷を辿ることができますよね。
現代音楽に批判はセットでついてくるような気もしますが？

深貝：そうですね。批判批評を繰り返して、守るべきものと取り入れていくものの議論が繰り返されることで、発展していくのが現代音楽だと思います。
しかし昨今、現代音楽という分野に対して、潜在的にみんな敬遠しすぎちゃっているような印象です。
そういった先入観無しにもっと深く学ぶと、その時の社会情勢が必ず反映されていると思いますし、そういう背景から見ると、とても人間的な流れの自然な中から生まれている音楽で親近感が湧きます。
なので、人として考えることが重要だと思います。
それによって破壊される前の音楽が良ければそれは一つの答えなのです。

スタッフ：なるほど！そういうふうに現代音楽をとらえたことがなかったので、とても勉強になりました。
音楽もそうですが、SNS等で個人で発信できるようになったからこそ、演奏家さんの演奏会に対する取り組み方も変わってきたような気がします。「上手ければ売れる」時代はある意味終わってしまったような気がします。
例えば、アレンジとかもクラシックと似ているポピュラーの曲を重ねる試みもあり、それをクラシック畑の方は批判する人もいて、ある意味現代音楽と近いような部分があるなと思います。

深貝：そうですね。まぁ、アレンジに関してはサティ（フランス・1866-1925）とかもやっていましたからね（笑）

スタッフ：たしかに！時代を俯瞰してみるからこそわかることですよね。
深貝さんって視野がとても広いですよね。なぜだと思われますか？

深貝：広くはないと思いますが、自分の意見を持つのはすごく大事なことなんですけど、その意見を守るために人の意見を批判しなくても良いと思うんです。
逆に取り入れちゃった方が面白いと思うんです。興味のある分野かどうかという問題もあると思いますが、自分から拒否してしまうと、もっと面白く繋がる可能性の種を摘んでしまうような気がして。

スタッフ：素敵だと思います。フランスに留学されたのは影響ありますか？

深貝：そうですね。自分の意見を伝えたときに、否定するわけではなく、まず認めてくれるというのがあり、それがとても良いなと思いました。
それって、その人も自分の考えを曲げてないと思うんですけど、意見を出し合うことで良いものを共有できているポジティブなイメージがあります。
それでいて、変に劣等感も持たないし、かといって変に威張らないし、自然体でそれ以上でも以下にもならないというのが居心地よかったですね。

スタッフ：：深貝さんのピアノも否定がないというか、心地良いウェルカム感があって、やはりその人の思想というかスタンスは演奏に現れるなと思いました。

暗譜についての興味深い話

スタッフ：近現代曲が得意な人ってすごいな〜と思うのですが、深貝さんは結構レパートリーに入れられているイメージですね？

深貝：そうですね、シューマンなんかも好きなのですが、自分が一番ノリノリで弾いていられるのが近現代だと思いますね。

スタッフ：すごーい！暗譜とかどうやっているんですか？

深貝：画像として覚えちゃうというのもあるし、もちろん指もあるのですが、それだけだと調律が微妙に違うとわからなくなってしまうので、画像で覚えるのが一番多いです。

スタッフ：すごいですね。フォトグラフィックメモリーというやつですね。
この暗譜方法はできる人が限られていると聞きます。

深貝：暗譜に関しては色々な方法がありますよね。メロディーラインであったり、曲の構造を覚えたり。

スタッフ：暗譜一つでもとても興味深いです。

6月24日という日

深貝：演奏会の日にちが6/24だったと思うのですが、実はメシアンにとっても重要な日でもあるのです。
メシアンは従軍期間がありまして、ナチスの占領下でも音楽家ということもあり一応大事にされていたようですが、解放されてパリに戻ったのですが、なかなか地方に住む家族にも会いにいけなかったそうです。
そんな中、真っ先に考えたのが戦時下で書かれた衝撃的なカルテット「世の終わりのための四重奏曲」を、パリで初演すること。そしてそのパリでの初演の日が6/24でした。生きて帰って、再び音楽を発信した日だと思うと、勝手に感動してしまいます。パリ解放までは劇場もドイツの支配下でしたから、忍耐が希望になった素晴らしい瞬間だったのではないかなと思います。

スタッフ：「世の終わりのための四重奏曲」はヴァイオリン、ピアノ、チェロ、クラリネット、楽器はそれしかなかったという──大変な作品ですよね…。
メシアンという作曲家を代表する重要な作品の一つですが、その後、トューランガリラ交響曲や、鳥のカタログ、アッシジの聖フランシスコなどが作曲されていることから、転換期となる作品だったことがわかりますね。

メシアンが多く初演を行ったスコラ・カントルム音楽院の中庭（深貝氏の母校でもある）

（2023年6月6日収録。文責、見澤沙弥香）

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メシアン音楽の神秘２ピアノ：深貝理紗子

2023年6月24日(土) 　開演15:00

渋谷美竹サロン　

⇨公演の詳細・キャンセル待ちはこちらから
Tel:03-6452-6711
info@mitakesayaka.com

<プログラム>

オリヴィエ・メシアン：《８つの前奏曲》より第１曲「鳩」
オリヴィエ・メシアン：《鳥のカタログ》第５巻より第９番「ヨーロッパウグイス」
モーリス・ラヴェル：《鏡》より第２曲「悲しき鳥たち」
ルチアーノ・ベリオ：《６つのアンコール》より
　　　　　　　　　　第２曲「葉」
　　　　　　　　　　第３曲「水のピアノ」
オリヴィエ・メシアン：《鳥のカタログ》第７巻より第12曲「クロサバクヒタキ」

ポール・デュカス：遥かなる牧神の嘆き
クロード・ドビュッシー：《6つの古代のエピグラフ》より第１曲「夏の風の神、パンに祈るために」
オリヴィエ・メシアン：《幼子イエスに注ぐ20のまなざし》より
　　　　　　　　　　　第２曲「星のまなざし」
　　　　　　　　　　　第４曲「聖母のまなざし」
　　　　　　　　　　　第16曲「預言者、羊飼いと東方の三博士のまなざし」
　　　　　　　　　　　第10曲「喜びの聖霊のまなざし」

＜プロフィール＞

深貝理紗子（FUKAGAI Risako）Piano

　パリ・エコール・ノルマル音楽院及びパリ・スコラ・カントルム音楽院を審査員満場一致の最高評価を得て首席で修了。
　東京音楽コンクール第2位、ショパン国際ピアノコンクール in ASIA コンチェルトC部門アジア大会ブロンズ賞、フランスピアノコンクール第1位、C.カーン国際音楽コンクール第3位、J.フランセ国際音楽コンクール入選など国内外で受賞。
　2022年秋にティートックレコーズよりメジャーデビュー。日本初録音を含むCD『Parfum』を全国リリースし、芸術現代社の専門誌『音楽現代』推薦盤、音楽之友社の月刊誌『stereo』特選盤に選出された。
　これまでに下野竜也氏、川瀬賢太郎氏などの指揮のもと東京交響楽団等と共演。東京文化会館や岩崎ミュージアム主催公演等多数出演。皇居での御前演奏や、フランス「世界文化遺産の日」を記念する文化財でのデモ演奏なども務めた。
　これまでに横山幸雄、オリヴィエ・ギャルドンの各氏に師事。レパートリーはバロックから現代音楽の新曲初演まで。とくに近現代音楽を中心に、音楽サロン文化などの芸術文化全般を交えたアプローチを展開している。
　現在演奏活動の傍ら、主宰音楽教室、インターナショナル音楽教室等で後進の育成とクラシック音楽の普及に尽力している。
オフィシャルホームページ：https://risakofukagai-official.jimdofree.com/

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いつも美竹サロンをご愛顧いただき、誠にありがとうございます。

このたび、原材料の高騰や諸経費の値上がりに伴い、貸し会場でご利用の際の「ピアノ使用料」を、以下の通り改定させていただきますのでご案内いたします。
改定後の料金は、2023年4月17日(月)以降に新規に承るご予約に適用いたします。
誠に心苦しい限りではございますが、今後もより一層のサービス向上に努めて参りますので、何卒ご理解賜りますようお願いいたします。

＜ピアノ使用料＞
スタインウェイピアノ B211 マホガニー艶出し仕上(1台)

演奏会プラン（11人以上）　7,000円 → 8,000円/台・回

リハーサルプラン（10人以下）　5,000円 → 6,000円/台・回

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いつもご利用いただきありがとうございます。

皆さまの大切な音楽の時間を、安心してお過ごしいただくために、当サロンでは様々な感染防止対策を講じながら運営して参りました。

このたび、新型コロナウイルスについて、2023年3月13日からのマスク着用に関するガイドラインの改定を受けて、感染対策について一部変更がございますので、ご案内いたします。

◆施設内の感染症予防対策への取り組み
・スタッフ一同手洗い、うがいを励行しており、マスクの着用をして案内・対応をさせていただいております。
・各施設内の空気を入れ替えるため、適宜、換気を実施しており、空気清浄機（高濃度オゾン）や紫外線殺菌装置など、最新の先端的な対策を導入しております。
・施設内各所にアルコール消毒液を設置しております。
・ドアの手すりや手の触れる箇所の清掃と消毒を行っております。

◆貸出公演の主催者さま、ご来場者さまへ
・施設内でのマスクの着脱は個人の判断ですが、会話やブラボー等の声援をする場合等、必要に応じて着用を推奨しております。
・収容人数は定員（65名程度）でのご利用が可能となります。
・施設内の空気を入れ替えるため、適宜、換気の実施と、空気清浄機（高濃度オゾン）での空気清浄をお願いいたします。
・各洗面所には液体石鹸を、施設各所には消毒用アルコールを設置しておりますので、こまめな消毒にご協力ください。
・咳やくしゃみをされる際は、マスク、ハンカチ、ティッシュ、上着の内側や袖などで口をしっかりと覆う「咳エチケット」にご協力ください。
（参考：咳エチケット│厚生労働省ウェブサイト）
・以下の場合に該当し、体調にご不安のある方は、ご来館なさらないようお願いいたします。
　　① 発熱があり検温の結果、37.5℃以上の発熱があった場合
　　② 咳・咽頭痛などの症状がある場合

以上、政府や公益社団法人全国公立文化施設協会等のによる新型コロナウイルス感染拡大予防ガイドラインを踏まえての変更となりますので、ご理解・ご協力のほどよろしくお願いいたします。

渋谷美竹サロン

※2023年3月20日15時現在

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当サロン主催コンサートにご出演いただいている入川舜さんが以下の公演にて、第32回青山音楽賞を受賞されました。
おめでとうございます！！

https://aoyama-music-foundation.or.jp/music_awards_winner/

「確固たる技術と、歌心を忍ばせながらも知的コントロールの行き届いた表現。音楽の本質を真摯に探求しようという姿勢は称賛に値する。」と高く評価されています。

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受賞公演：
「入川舜ピアノリサイタル」
2022年12月16日（金）

演目：
バッハ：半音階的幻想曲とフーガ BWV903
シェーンベルク：ピアノ組曲 Op.25
バッハ：ゴルトベルク変奏曲 BWV988

---------------------------------------

入川さんのゴルトベルク変奏曲に出会った時、衝撃が走りました。
彼のバッハ研究への姿勢は特筆すべきものがあります。
当サロンにて継続している「バッハを辿るシリーズ」ではバッハの神髄に触れられる内容となっております。
次回は2023年6月2日(金)に開催予定の「バッハを辿るシリーズVol.7」ですので、是非彼のバッハに触れてみてください。

※サロンでの特別ライヴCD（バッハ生誕３３３周年に贈る、ゴルトベルク変奏曲）はこちらからご購入いただけます♪

渋谷美竹サロン・スタッフ一同

','seo_title':'入川舜さんが第32回青山音楽賞を受賞！','seo_meta_keyword':'','seo_meta_description':'当サロン主催コンサートにご出演いただいている入川舜さんが以下の公演にて、第32回青山音楽賞を受賞されました。おめでとうございます！！','url':'2023-2-20-irikawashun.html','status':'published','allow_comment':'0','images':'assets/uploads/News/profile_irikawa.jpg','created_by':'1','updated_by':'1','created_at':'2023-02-20 18:32:36','updated_at':'2023-02-20 18:42:37','categories':null},{'id':'176','publish_date':'2023-02-09 14:35:33','modified_date':'2023-12-01 17:57:18','genre':'2','title':'【小林壱成さん】東京交響楽団の若きコンマス小林壱成の「在り方」','content':'

近年、さらなる盛り上がりを見せる東京交響楽団。
音楽監督ジョナサン・ノットをはじめ、2021年にコンサートマスターに就任した小林壱成氏が注目を集めているようです。
1994年⽣まれ。東京藝術⼤学卒業。同⼤学院を経てドイツ・ベルリン芸術⼤学⼤学院修⼠課程修了。Gyarfas Competition (ベルリン)最⾼位受賞、在学中、Symphonieorchster der UDK Berlin のコンサートマスターとしてヨーロッパ各国で演奏と、数々の実績と経験を積んできた彼ですが、穏やかで人当たりの良い性格や、懐の広さ、思慮深さから次世代のリーダーの姿を目の当たりにしたようでした。

さらに、コンサートマスターとしての活躍のみならず、銀座王⼦ホールレジデント「ステラ・トリオ」など、室内楽等の活躍も期待されています。
今回、サロンコンサートならではのトーク付き&QA付き、さらに調性にフォーカスした特別なプログラムに込められた想いなどを語っていただきました。

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小林壱成ヴァイオリンリサイタル　2023年2月26日(日) 15:00開演
ハイドン：ヴァイオリン・ソナタ第1番ト長調 Hob.XV:32
ショスタコーヴィチ：4つのプレリュード Op.34より
ヘンデル：ヴァイオリン・ソナタホ長調 Op.1-12（Roger版）
タルティーニ：悪魔のトリル

⇨詳細・ご予約はこちら

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父の転勤がきっかけで出会ったヴァイオリン

小林：もともとソリストになろうとは思っていませんでした。
というのもヴァイオリンを始めた時も、たまたま家にチラシが入っていたからだったんですよね（笑）当時、ちょうど音楽教育が注目されて（脳の発達に良いなど）流行っていた時期で、その前は音感教育を習っていました。ちょうど６歳くらいのタイミングで父親が転勤族だったということもあり、ピアノを買ってしまうと…引っ越しの時とか大変じゃないですか！ということで、ほぼ両親の誘導みたいな感じでヴァイオリンを習うことになりました（笑）

習った先生が全員コンマスだった

小林：一番最初に習った先生が小島秀夫先生という、N響から広島交響楽団のコンマスになった先生でした。
その先生がジュニアオーケストラをやられていたのがきっかけで参加していたのですが、とにかく楽しかったんです！ジュニアオケを続けるためにヴァイオリンを続けていました（笑）
それから月日が経ち、父が広島から東京に転勤のタイミングで、やはり東京でもジュニアオケに入りたかったので、そこで出会ったのがマロさん（篠崎史紀氏）でした。
マロさんが主宰する東京ジュニアオーケストラソサエティでオケの活動を楽しんでいました。振り返ると、自分が習っていた先生が偶然、全員コンマスだったので、自然に自分もコンマスを意識したのかもしれません。

スタッフ：なるほど！
最初の先生もコンマスで、その後もN響コンマスのマロさんが開催するジュニアオケにたまたま入られるとは、何か運命を感じますね。

小林：そんなに誰もがなれる仕事ではないですし、適性などもあり、コンマスは日本中に足りていない現状があります。ですので、運が良かったということもありますが、自然とコンマスの仕事に魅力を感じるようになっていました。

スタッフ：そうですね。どのオーケストラのコンマスを見ても、その人に代わる人がいないなぁと思わせる確固たる何かを持っていると思います。ですので人材として少ないというのは納得できます。

パイロットか、料理人になりたかった？！

スタッフ：もし音楽家でなかったら何になっていたと思いますか？

小林：もともと僕、パイロットになりたかったです！もしくは料理人とかも良いなって思っていました。

スタッフ：たしかに、音楽家と料理人って似ていますよね！

コンマスとはなんぞや？！

小林：コンマスに就任してから１年と５ヶ月ほどしか経っていませんが、すでに色々と思うことがあります。
どこに行ってもコンマスになるための学校はないですし、コンマスの"在り方"というのも人それぞれです。
組織の指針をリードして立てているような存在なので、在り方が重要になってきます。
もちろん大変な反面、楽しいし面白いけど！

スタッフ：コンマスの一番必要な適性って何だと思われますか？

小林：一番は色々な考え方を認めることでしょうか。かつ束ねるというのが難しいですね…。
ソリストですと、一人で一つの答えを見つけ出すというか、突き詰める方が多いので、少し違いますよね。

スタッフ：なるほど！それでは、コンマスとしてメンバーとの音楽作りに際して工夫していることがあれば教えてください。

小林：僕の場合ですが「指揮者と同じことをやらない」ということです。
一つのことに対してリーダーは二人もいりません。統率はするんですけど、同じことはやらない。
指揮者がやりたいことに対して、具体的にどうするかという提案をしたり、もしくは指揮者が口には出さなくても思っていることを察知して、"指揮者にわからないように"団員にお伝えする、とか。その上で指揮者の方に自由にやっていただくことで、良い音楽が生まれる気がします。
もちろん、様々なタイプの指揮者がいるので、どんなパターンにも対応できるよう、色々なパターンを自分の中に入れておく必要があると思います。

スタッフ：なるほど、まさに要綱役ですね。

小林：時には締めるところや、皆を引っ張っていくようなリーダーシップも必要ですが、バランス感覚はやはり一番大事かなと思います。
各オーケストラのコンマスを見てわかるように、皆十人十色ですし、コンマスと一概に言ってもそれぞれの"在り方"がわかりますよね。

スタッフ："在り方"という言葉に、オケの重責を担っていることが伝わります。　
確かに、コンマスの調子によってオケの音がずいぶん変わりますよね？

小林：そうです！コンマスが団員に対して合図を送るのですが、そのちょっとした準備によって音が変わるのです。

正解を求めずに、まずは失敗してみる！

スタッフ：昔と今では何かコンサートの感動の違いというのを感じます。それは先程のインターネットの普及であったり、情報の供給過多というのも関係していると思います。
昔は情報も限られていましたし、会場で初めて音楽との出会いや何か探り合いがあって、大きな感動があったような気がします。会場でもブラボー！って皆で一体となって感動を爆発させていましたよ。
なので、今は与えられた情報を予習してから行くので、その通りの答えだったら感動するみたいな…ちょっと不思議な感じというか、客観的な印象を受けます。

小林：それに付随するかもしれませんが、最近「良い子」が多いですよね？彼らは正解をわかっているから、正解しかしないというか…。
だからブラボーとかも俺が言わなくても、まぁ誰か言ってくれるでしょっていう感じなんでしょうか、、（笑）。もちろん、一概には言い切れませんが。

スタッフ：あ〜〜・・・要するに、しらけているということかしら？！

一同：！！（笑）

小林：何か、問題を起こさないことに長けているなぁって思います。自分も無意識にそうなるかもしれないので気をつけたいですね。

スタッフ：失敗してみたり、問題を起こさないと本当の意味で学びはないのに…！まぁ日本人って昔からおとなしいんですけどね。ですが、心の中では熱くなったり涙したりしているかもしれないので…それは各々の表現でもちろん良いとは思うのですが、もう少し感じたことを素直に表に出してくれると嬉しいですよね…！

散歩で自然を感じる

スタッフ：演奏や練習のリフレッシュのために何をされていますか？

小林：散歩が一番好きですね。その時、絶対にケータイを持って行かないようにしています。これはもう留学時代からの習慣ですね。

スタッフ：それは考え事をしながら、頭を整理するためとかでしょうか？

小林：考え事というよりかは、自然を見たり感じたりすることが多いです。自然豊かな川の辺りを歩いていると、何か別世界に来ている気分になりリフレッシュになります。

アンサンブルは自然に起こる化学反応を大切に

スタッフ：それではコンマスとしての小林さんではなく、今回のような室内楽でアンサンブルに取り組むうえで、大切にされていることは何ですか？

小林：あまり決まり事を決めないということですかね。特に今回のようにデュオの場合、ピアニストの方はいわゆる"伴奏"のような立ち位置でヴァイオリンについて行こうとする方が多いと思います。例えば、フレーズの終わり方などをリハーサルの段階であらかじめ打ち合わせをして、音楽作りをして行くのが一般的かと思います。
しかしあえて、あまり言葉を使わずにお互いに感性を研ぎ澄まして、自然にやってみることを大切にします。今回ご一緒させていただく小澤さんは自然さを大切にしつつ、彼女の音楽をぶつけて来てくれるタイプのピアニストなので、化学反応が楽しめると思います。

スタッフ：なるほど！音楽は言葉を超越していますので、自然さというのは何かわかる気がします。というのも、聴き手も不自然さに対しては敏感です。時間芸術である音楽ならではの化学反応ですね。

十字架の持つ"緊密性"

スタッフ：今回の内容は、サロンという空間に合わせたトーク形式であったり、調性にフォーカスされていたり、大変考え抜かれた内容だと感じられます。プログラミングのポイントや聴きどころ、サロンコンサートの愉しみ方などがありましたら教えてください。

小林：僕はカトリックなので、小さい頃からミサに行ってお話しを聞いたり侍者をやっていたりしました。
その時に一番目に入ってくるのが、十字架だったんです。十字架があることで司教さまがお話しされることに説得力をもったり、考え方がまとまってきたり、同じ方向を向いていたり、お互いの緊密性を感じることがありました。
今回でいえば、小品がたくさんありますが、そこにまとまり感というか、緊密性が生まれると感じました。特にこちらのサロンは舞台もフラットですし、縦だけでなく、皆が横でも繋がれば良いと感じます。特に今回はハイドンやタルティーニであったり、その時代の人は、特に調性にこだわってきたと思いますので、そういったところもプログラミングのポイントかなと。

ただただ良い演奏を追求し、高めていくだけ

スタッフ：プロとしてクラシック音楽に関わる上で、お客様にどのようなことをお伝えしたいと思っていますか？

小林：正直、お伝えしたいと思うようなことって自分たちができることではないと思っています。各々が各々の"何か"を感じ取っているのだと思います。
例えば音に感動する人や、フレーズに感動する人、逆に何か違和感を感じる人…一つの演奏でも様々な受け取り方が生まれます。
僕らはただただ良い演奏を追求し、良いものをただ高めていくだけです。聴き手の皆さんが何を感じ、何を思うかは僕らが干渉すべきことではないと思います。

スタッフ：聴き手に委ねる、ということですね。とても共感します。
私たちも企画を考えてお客様にお届けする立場ですが、どんなに一生懸命準備してやってきても、刺さらないお客様だっていらっしゃいます。それはお客様のタイミングであったり、その人がその作品に対する絶対的なイメージであったり、何か引っ掛かりのような疑問に思ってしまうことも多々あると思います。しかし一生懸命やっている以上、決して悪い音楽というのはなくて、それはそれで一つの愉しみ方なのかなとも思います。

小林：そうですね。もし感動ではなく、疑問に思うことがあったとしたら「なんでだろう？」って一歩先まで行っていただけると尚、嬉しいですよね！

スタッフ：そうですね！そういう意味では自己啓発に近いものもあるというか…やはりクラシック音楽は次元の高い芸術だなと思います。

小林：最近はインターネットの普及によって、エンタメも多様化し、何でも受け取れてしまう時代になってきました。なので、受け取るだけで終わっちゃうのはもったいないなぁと思います。こういったサロンでトークや双方のコミュニケーションを取ることで、お客様も参加し、お互いに心を通わせた演奏会ができるのは貴重な機会ですし、僕自身とても楽しみです！そして、そういったところに不要不急じゃないクラシック音楽の本当の意味があると思っています。

スタッフ：素晴らしいですね。とても共感します。それでは今回の演奏会もそうですが、これからの抱負をお伺いできますか？

小林：いや〜、僕はこう見えて真面目なところがあるので…（笑）一つ一つの演奏会を全力でやっていきたいですね！

スタッフ：すごく尊いことだと思います。当たり前なことだけど、当たり前なことを続けられるのが、本当に凄いことだと思います。
今回、こうやってやりとりをさせていただいている中でも、小林さんのお人柄や、本当に良い演奏会にしたいという思いが伝わってきて、背筋が伸びる思いです。

クラシック音楽とは何だと思いますか？

スタッフ：最後に抽象的な質問ですが、クラシック音楽とは何だと思いますか？

小林：伝承の一部ですよね。それこそ人間の歴史というか…その時代がわかるものだと思うので、その時代に何が流行っていて、どういう音楽が流行っていて、それらがどういう絵画や文学と繋がっているか…。さらにその当時の人々の考えていたこととか流行っていたことなどが、見えてきます。それを後世に伝えることで、人間がどういう風に歩んで来たかというのを、音で実体験することだと思います。そういった時代背景を実体験することで、気づきが生まれ、作曲家が本当に伝えたかったことがわかることがあります。

スタッフ：なるほど！まさに普遍的なものですね。しっくり来ました。私もこの仕事をしていると、クラシック音楽とは何だろう？と考えることがあるのですが、時代背景や当時の文化的背景、作曲家の縦と横の情報をある程度よく「わかっている人」だけが楽しめるのがクラシック音楽なのかな？と思うことがありました。もちろん、そういった考古学的に背景を探ってみるという側面も大切だと思うのですが、クラシック音楽って膨大なので、堅苦しくなりすぎない方がよいかなとも思います…。もっと純粋に、何の情報もない時に聴いた交響曲の感動とか、何かよくわからないけど共鳴する作品とか、そういう楽しみ方も大切な気がします。どちらの面も総じて、伝承の一部であり、普遍的なものかなと思います。

（2023年1月25日収録。文責、見澤沙弥香）

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小林壱成ヴァイオリンリサイタル

東京交響楽団コンサートマスター小林壱成が初登場！
調性の十字架によって描かれる美しきプログラム
　　　　　　　　　　　　　　（トーク、Q&A付き）

2023年2月26日(日)　開演15:00
渋谷美竹サロン

⇨公演の詳細はこちらから

<プログラム>

ハイドン：ヴァイオリン・ソナタ第1番ト長調 Hob.XV:32
Haydn: Violin Sonata Hob.XV:32 G-dur

ショスタコーヴィチ：4つのプレリュード Op.34より
Shostakovich: Vier Präludien op.34

ヘンデル：ヴァイオリン・ソナタホ長調 Op.1-12（Roger版）
Händel: Violin Sonata in E-dur (Roger), Op.1-12

タルティーニ：悪魔のトリル
Tartini: Devil's trill Sonata g-moll

＜プロフィール＞

小林壱成（KOBAYASHI Issey）Violin

東京藝術大学卒業、同大学院を経てドイツ・べルリン芸術大学大学院修士課程修了。Gyarfas Competition 2019(べルリン)にて最高位受賞。ドイツでProf. M.Contzen、A. Barakhovsky に、また室内楽をアルテミス・カルテットに学ぶ。
⻘山音楽賞新人賞、日本音楽コンクール、松方音楽賞他、入賞受賞多数。野村財団、明治安田 QOL文化財団、RMF等奨学生。これまでにNYCカーネギーホール、イタリア世界遺産テアトロオリンピコ・ヴィツェンツァ国際音楽祭、ヴェンゲーロフ・フェスティバルTokyo、「東京・春・音楽祭」、V. レーピン監督の「トランス=シベリア芸術祭」、NHKFM「リサイタル・ノヴァ」BSTV「クラシック倶楽部」等に多数出演。
M.ヴェンゲーロフとバッハの二重協奏曲のソリストとして共演。レーピン、ギトリス等の巨匠とも共演を重ね、 2019年にはべルリンにてドイツの名匠 S.ヴァイグレに才能を高く認められ、読売日本交響楽団と共演。
2017年より銀座王子ホール・レジデント「ステラ・トリオ」メンバーとしての活動を開始。
各楽団のゲストコンサートマスターとして活躍し、現在東京交響楽団コンサートマスター。

小澤佳永（OZAWA Kae）Piano

小学生から高校生まで、父親の仕事でアメリカ合衆国、イリノイ州にて過ごす。東京芸術大学音楽学部器楽科ピアノ専攻を経て同大学大学院修士課程ピアノ専攻修了。現在同大学管打楽科演奏研究員。
ヴィオッティ・ヴァルセジア国際ピアノコンクール第三位受賞。ペオリア交響楽団、名古屋フィルハーモニー交響楽団と協演。中日賞受賞。
サントリーホール室内楽アカデミー第1-3期生。サントリーホール、チェンバーミュージックガーデンに出演。第90回日本音楽コンクール特別賞受賞。宗次エンジェルヴァイオリンコンクール、日本木管コンクールにて公式伴奏を務める。

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2023年1月10日

皆様、新年あけましておめでとうございます。
謹んで新春のお慶びを申しあげます。
旧年中は格別のご高配を賜り、誠にありがとうございました。

昨年の美竹サロンでは、主催公演以外にも、ピアノの発表会などの貸し会場としてのご利用が充実した一年となりました。
さまざまな貴重な音楽の時間のお手伝いをさせていただいたことで、生の音楽が生まれる尊さをひしひしと感じます。
（リトルピアニストにとっては初めての人前での演奏だったということも…！）
また主催公演や貸し公演でご出演される音楽家さんたちは、彼らにとっては憧れの存在です。

改めて、未来の音楽家さんたちの夢を繋ぐ場所になっていることを、実感できたことがとても嬉しく思えました。
これもひとえに皆様のご支援の賜物と、心より感謝申しあげます。

また、今年2023年より国家戦略特区としての「渋谷駅東口エリア」の大規模な再開発により「美竹清花さろん」という名称から『渋谷美竹サロン』に改称させていただくことになりました。

進化し続ける渋谷の街にふさわしく、より地域に根ざした音楽サロンとなれるよう、取り組んで参ります。

至らない点も多々あるかと存じますが、太陽のように素晴らしい音楽を皆様と分かち合うことを諦めずに、今年も精進して参ります。
何卒、ご理解とご協力を賜りますようお願い申しあげます。

今年も「心、言葉、音楽、そしてコミュニケーション」という当サロンのビジョンを大切にしていきながら、精進して参ります。
皆様、本年も何卒よろしくお願いいたします。

株式会社ILA / 渋谷美竹サロンスタッフ一同
感謝を込めて

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いつも美竹サロンをご愛顧いただき、誠にありがとうございます。
弊社受付デスクの年末年始の休業は、下記のとおりとさせていただきます。
皆様には、ご迷惑をおかけいたしますが、何卒宜しくお願い申し上げます。

【年末年始の休業期間】

2022年12月31日(土)～2023年1月9日(月)

※2023年1月10日(火)より通常どおり平日（10:00~18:00）で営業いたします。
※休業期間中にお問い合わせいただきました件に関しては、2023年1月10日(火)より順次ご対応させていただきます。

2023年も、皆様のご期待に沿えるよう、誠心誠意取り組んでまいります。
今後とも変わらぬご愛顧の程、よろしくお願い申しあげます。

渋谷美竹サロンスタッフ一同

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2022年12月10日(土)に予定していた《N響メンバーによる定期サロン第5回》ですが、出演予定の村尾隆人氏の体調不良により、開催を中止する運びとなりました。

本公演を楽しみにされていたお客様には、多大なるご心配、ご迷惑をおかけしますことを深くお詫び申しあげます。

~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~

＜対象公演＞
2022年12月10日(土)
開場 17:30 開始 18:00
N響メンバーによる定期サロン第5回
https://mitakesayaka.com/events/2022-12-10-123-nhksymphonyorchestra5.html

出演
Violin 後藤康

Violin 村尾隆人
Piano 守永由香

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事前支払をされたお客様の払い戻しの詳細に関しましては、
改めて個別にメールもしくはお電話にてご案内差し上げます。

大変申し訳ございませんが、少々お時間をいただけますと幸いです。

直前のご案内となりましたことを、深くお詫び申しあげます。

何かご不明点等ございましたら下記までご連絡くださいませ。

メール：info@mitakesayaka.com

お電話：03-6452-6711（平日：10:00〜18:00）/070-2168-8484

恐れ入りますが、何卒ご了承下さいますようお願い致します。

渋谷美竹サロン・スタッフ一同

※2022年12月8日14時00分現在

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吉田友昭氏は、第79回日本音楽コンクール第１位、マリア・カラス、ホセ・イトゥルビ、マリア・カナルス、ハエン、シドニー他の国際コンクールで優勝・入賞。ヨーロッパに12年間居住して帰国という欧州の経験が長い本格的なピアニスト。
これまで、サロンの会員さんや音大関係者、著名な先生方などから評判を耳にすることが多く、美竹サロンが密かに気になるピアニストです。

風格のある響き、瞑想的なコンテキスト──巨匠を彷彿とさせる音楽性を持つ吉田友昭氏ですが、
このたびベートーヴェン「悲愴」「月光」「熱情」に「エロイカ変奏曲」を加えて豪華絢爛なプログラムでソロ初登場です！
指導者歴８年と教育者としても定評の高い彼ですが、今回はめずらしい音楽人生と独自の指導方針について、さらに音楽を志すすべての人の心に響くような力強いメッセージをいただきました。

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吉田友昭ベートーヴェン３大ソナタ　2022年11月12日(土) 15:00開演
L.v.ベートーヴェン：
ピアノ・ソナタ第8番「悲愴」ハ短調 Op.13
ピアノ・ソナタ第14番「月光」嬰ハ短調 Op.27-2
ピアノ・ソナタ第23番「熱情」ヘ短調 Op.57
「プロメテウスの創造物」の主題による15の変奏曲とフーガ（エロイカ変奏曲） Op.35

⇨詳細・ご予約はこちら

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重視すべきは技巧ではなく“薫り”

スタッフ：吉田先生の演奏というのは、何か20世紀の巨匠を彷彿とさせる味わい深さを感じます。昨今は、激戦の舞台が繰り広げられるコンクール時代です。技巧に重きを置いてしまう音楽家も多くいらっしゃると思いますので、技巧が全面に出ていない演奏というのは珍しいような気がしますが？

吉田：技巧が全面に出てくる演奏というのは初めすごく憧れるのですが、技巧が自分よりすごい人間がたくさん居るということに、否応ながら気がついてしまうので…（笑）
そういう現実を目の当たりにして、自分の方向性を見つめ直す時期が20代前半くらいでしょうか。自分の音であったり、自分のやりたいことであったりを探していく時期だと思います。

スタッフ：なるほど、吉田先生は何がきっかけでそれを見つけ出したのですか？

吉田：20歳でパリに留学したことがきっかけでした。その時は、ミシェル・ベロフのもとで研鑽を積みました。その後、イタリアやザルツブルクへ移りました。
最初はそれこそスーパーピアニストというか…なんでも簡単に弾ける技巧重視のピアニストを目指していました。しかし、自分の中に立ち返ったときに、やっぱり“薫り”・・・かなと。自分が指導する立場になってみると、やはり「“技巧”ではない！」って思いますよ（笑）

スタッフ：吉田先生のピアノに触れて何か、心に染み入るものがあって、それはなんだろうと考えていたのですが、“薫り”という言葉を聞いてしっくりと来ました。

吉田：教えるようになってからは、特にそれを意識するようになりました。若い学生の演奏に日々接していると、技巧に寄ってしまい、パワーや迫力ばかりを意識する傾向があります。しかし、世の中に出ている素晴らしいピアニストの大半が、それとは違う要素で評価されている、ということを話します。

スタッフ：そうですね、それは感じます。若いうちにあまりにもパワーや技巧に寄りすぎてしまうと、先生のもとから離れたとたんに弾けなくなってしまうという例をよく耳にします。

吉田：そうですよね。どうしても、目先のコンクールや試験に寄ってしまうので…近視眼的になりがちです。なので、最近は手取り足取り、あまり教え過ぎるということをやらないようになりました（笑）
大切なのは、本人が発見して取り組んでいくことができることだと思います。選曲に関しても、自分の意見を持って考えて欲しいですしね。
極論、バッハのインベンションとシンフォニアでも成り立つと思うのですよね。そこにどれだけ自分の意見や考えを込められるかだと思います。

スタッフ：それはわかりますね。特にこの情報社会において、膨大に散りばめられた玉石混交の情報たちを、どうキャッチして自分に取り入れていくべきか…
若い学生さんは迷ってしまうと思います。選曲についても、流行りの曲に行ってしまうこともあると思いますし。

サッカー、勉強、読書、すべてが必要なことだった

スタッフ：こうお話しさせていただいていると、ブレない軸のようなものを感じるのですが、吉田先生のピアノ人生をお伺いしても良いですか？

吉田：小学校の頃はサッカー少年でした。ピアノは兄のついでに小４まで習っていましたが、弾くのは週に1時間くらいなので、本当に下手でしたよ（笑）なので、子供のコンクールには一度も入賞したことがなかったです。
そんなこともあって、近年乱立している子供のコンクールは、そこまでたくさん必要ないと思っています。もちろん、中学受験に有利という点は認めますが、そこに優劣をつける意味は本当にあるのかどうか。ステージで演奏する経験、計画的に練習努力するというのは素晴らしく貴重ですね。

話が逸れましたが…中学、高校と記憶力だけは良かったので勉学に取り組み、何かやり尽くした感がありました。そして当時、アシュケナージのショパンや、キーシンのラフマニノフなど、ピアノを"聴く"のが大好きだったので、最終的に進路希望を出す時には「藝大」と書きました。

スタッフ：それは意外です。よく、小さい頃から英才教育を受けて、厳しいレッスンやコンクールに耐え抜いて、音大や藝大などの音楽の道に進む、というお話を聞くので…。
となると、もともとの能力値が高かったのでは？

吉田：高くない、高くない！（笑）ただ振り返ると、コミットメントというか、決断力はあったのかもしれないですね。
勉強もやらないと決めたら高校の教科書も買わなかったですし（笑）修学旅行にも行かずにピアノに全ツッパ、全集中でしたね！

スタッフ：修学旅行も行かなかったのですか・・・！それはなかなかの覚悟。引き返せない怖さのようなものはなかったのですか？

吉田：なかったですね！（即答）もともとピアノを良く聴いていたことと、音楽に関する本を良く読んでいたこともあり、その経験がパズルみたいに繋がって、いざピアノに全集中した時に、最短距離で行けたというのはあるかもしれないですね。

スタッフ：なるほど、潜在的に音楽に関する必要な知識や経験を積んでいたということですね。本はどんな本を読まれていたのですか？

吉田：作曲家の伝記を全般的に。それから、中村紘子先生の「チャイコフスキーコンクール」や、若いのに「罪と罰」や、ダンテの「神曲」を読んだりしていました…ちょっと変わった子ですよね。

スタッフ：たしかに、なかなかの芸術肌ですね（笑）しかし、もともとサッカー少年で、勉強に励み、自分で音楽に関しても学び…色々なことにチャレンジしてきていたからこそ、何か、物怖じしないタイプに見えますが。

吉田：そうですね。色々なことをやってきたというのが、逆に"強み"になっているような気がします。あとは多分、ラジオや落語も好きだし、学年委員長や生徒総会の議長など人前で話すことも多かったので、そういう経験も影響しているのかもしれません。自分の結婚式のスピーチも、事前には何も決めずにその場で話してしまいましたね。

知らない世界への憧れと情熱

スタッフ：今のようにインターネットから多くの情報を取れなかったことが一因となって、自然と、昔の本物の演奏や書籍に触れ、そして憧れ、真っ直ぐに突き進むことができたように思います。

吉田：そのとおりですね。2022年現在、国際コンクールもすべて生配信でタイムリーに見ることができ、世界で今、何が行われていて、どういうピアニストがいて…という情報は簡単に手に入ります。例えば、昨年のショパンコンクールなどの配信を見て「自分とは別の異次元世界」だ、と諦めてしまう学生も多くいたのではないでしょうか。
情報に恵まれている反面、知らない世界に対する憧れや、行ってみなきゃわからない、やってみなければわからないという純粋な行動力というのが失われてしまうのはもったいないことだと思います。

スタッフ：そうですね。少し前はコンクールや留学についての情報が少ないからこそ「俺でも行けるかも！」って…ある意味ちょっと厚顔無恥になってがむしゃらに行動することができたのかもしれませんね・・・。

吉田：厚顔無恥…本当にそう！僕もベロフ先生に「僕、（有名な）このコンクールで1位になろうと思います」って、本気で言っていましたからね…（笑）さらに、10代・20代の頃は指揮者のカルロス・クライバーと共演することが夢で、本気で目指していました！
実態が見えていないからこそ、自分が本気を出せば「できるはずだ！」と思っちゃったのですよね。けど今の子って実態が見えちゃうから…。自然と自分と他者を比較して「自分にはできない」という先入観が生まれやすいのかもしれないですね。

正直でいること、等身大でいること

スタッフ：人生を振り返って恵まれたなぁ、と思うことを教えてください。

吉田：人に恵まれてきましたね。

スタッフ：それは吉田先生の人徳ではないでしょうか？

吉田：え、けど僕はそんなに良い人に見られようと気はないつもりですよ！（笑）

スタッフ：吉田先生の凄さは、いつ、どんなときでも等身大でいられることのような気がします。

吉田：なるほど！コロナの時代でコミュニケーションが難しい時代になりましたが、まさに今おっしゃられた「等身大」というワードがキーファクターだと思います。

スタッフ：吉田先生はもともとそのスタンスだったのでしょうか？

吉田：いや、僕にとっての転期はコンクール時代が終わり、大学で教え始めた31歳くらい。ちょうど結婚し、子育てが始まった頃です。
最初は必死に指導も演奏も、なんでもやってやろう！という感じで詰め込んでいたのですが、ある日突然、倒れたのですよね…。
それから、体力的な限界に気付くようになり、ワークライフバランスを考えるようになりました。今は演奏や指導と、良いバランスで生きていけているのは、まさに人に恵まれたからかなと思います。感謝ですね。

スタッフ：たしかに、時には弱さを見せることで、信頼関係が生まれることって多々ありますよね。それが等身大の自分でいる、ということに通ずるのかもしれません。

トレーニングより、リカバリーを大切に

スタッフ：ピアノに向かう時に、大切にされている習慣はありますか？

吉田：ストレッチですね！寝る前に30分〜1時間、朝も必ずストレッチをしてから、ピアノに向かいます。血流が良くなるので、ピアノが上手くなるのですよ。あとはサウナとかですかね。
大谷翔平選手が「トレーニングよりもリカバリーの方に重きを置くようになったら結果が出た」と言っていて、なるほどと思い、自分もとても納得しました。

スタッフ：なるほどですね！それは納得です。変な話、寝ないとどこか不調になってくるのと同じですよね。他に大切にされていることはありますか？

吉田：音楽以外の世の中のニュースに触れて、視野を広げることでしょうか。
世の中のニュースに触れて考えてみると、色々な人や役割があって世の中が回っていることに気がつきます。

スタッフ：それは私もとても共感します。視野が広くなるからこそ、音楽も変わりそうですね？

吉田：もちろん！しかし難しいのが、視野が広いうえで周りに翻弄されないことです。

スタッフ：まさにそのとおりですね！

吉田：パリ留学時代は、ベロフ先生とレッスン中、いつも世間や政治の話をしていましたよ（笑）

スタッフ：へぇ〜！日本では政治と宗教の話はタブーとかって言われていますよね？

吉田：そうなのですよね。ただフランスだと若い学生さんが電車を待っているあいだに選挙の話をしていたりするのも日常茶飯事です。
きっと話すことによって自分の考えを整理しているのだと思います。やはり、ディスカッションの文化なので。初対面のホストファミリーでも「This is my opinion.」それでyouは？とかって聞かれます。まぁ、時には極端な意見を発してしまう人もいますけど、節度を持って自分の意見を言うのは全体的にプラスになりますし、意見が違うからといって仲悪くなるとかではないですからね。

教育方針は、超長期的で

スタッフ：吉田先生は指導歴も長いと思うのですが、何か指導する上で気をつけていらっしゃることはありますか？

吉田：大前提として、音楽教育って自分が受けてきた教育しか人に伝えられないと私は思います。
ですので、自分の教育方針として、手取り足取り教えて付け焼き刃でコンクールに入賞を目指すというようなことはしません。それを受けた経験がありません。自分で見つけて自分でやれと、それだけです。

スタッフ：え！そうなのですか…！通常、音大の先生とかって生徒獲得のためにコンクールの入賞実績を重視したりするじゃないですか。

吉田：そこが僕、ないのですよね（笑）良い先生に思われたいというか…そういうことに興味がないというか…。
最初は生きていくために生徒獲得！とか言って頑張っていましたが（笑）それをやっても、長期的には何も意味がないのです。本当の意味での成長もないし、生徒にも無理を強いることになり、生徒との関係もおかしくなります。
そもそも演奏だけで生きていく人って、音大の生徒でも多くはないので、自分のペースで一生音楽に関わることをやっていけば良いと思います。音楽も人生も自分のペースで生きていけば良いと思います。先生を必要とせず、生徒一人で曲を仕上げる事ができるようになる、これが目標です。

スタッフ：超長期的な教育方針で、素敵だと思います。現に、無理にがんばりすぎた結果、潰れてしまう人や卒業後まったく演奏しなくなる方もいらっしゃるので・・・。
演奏で生きていきたいという人に対してはどんなレッスンをされますか？

吉田：もちろん、それはガチで教えます。ただ、ガチになればなるほど、僕、しゃべらなくなります。

スタッフ：え？！どういうことですか？

吉田：指導者の私が弾いて、共感できなくてもとりあえずすぐ真似して、さっと吸収できなければダメ、という感じ。一つの曲のレッスンもせいぜい２，３回です。で、だいたいそういう人たちは一言、二言フィードバックを伝えればだいたいわかって自分で先生を土台にして先生の上にトライしていくので。
かてぃん（ピアニスト・YouTuber）は、まさにそんな感じでしたね。

スタッフ：なるほど…そうやって貪欲に食らいついていって、やっと、演奏だけで食べていける世界なのでしょうね。

吉田：そうだと思います。例えば初対面のプロフェッショナルの人たちと室内楽をやる、トリオだろうと5重奏だろうと合わせはせいぜい２回×３時間です。3回あれば多い方。メンバーの意図を即座に読み取り、何か要望されたらすぐ出来ないと何も言ってくれなくなりますよ。学生時代を終えると、誰も助けてくれないですよ。

「吉田友昭のベートーヴェン」が聴きたい理由

スタッフ：初めて吉田先生のピアノを聴いてから、今日、改めてお話しさせていただいて、僭越ながら、すごく「ベートーヴェンが合っている」と感じました。

吉田：え、そうですか！それは何故ですか？

スタッフ：正直だからです。もともと根が真っ直ぐで、良い意味でさらけ出していると感じました。演奏家さんがインタビューやその他でどんなことを語っていても、ステージの上ではそれとは異なる本音のようなものが出てしまうと思います。
ベートーヴェンの作品は、取り繕って何かを表現するというのではなく、自分と共感する真実をさらけ出さなければならない演奏なのではないかと感じますが、その辺で何かとても魅力的に感じます。

吉田：ありがとうございます。まぁ、そうなれば良いのですが！（笑）
僕も"まだ人間"なので、どうしてもお客様を目の前にしたら、何か「こうしよう！」とか「笑いをとりたい！」という人間的な面も出てきちゃいますよ（笑）ただ、たしかに、ベートーヴェンだから無理して取り繕ってこう弾こう、とは思わないですね。もちろんラヴェル、ショスタコーヴィチなど、ある種、どこか隠して取り繕うことがプラスに働く作曲家や作品もあると思いますが。

スタッフ：もちろん！そんなベートーヴェン自身も、実はとっても人間らしい人だったのではないかなと感じます。もちろん晩年の作品などは、神々しさすらありますが…。

吉田：そうですね。ベートーヴェンはおそらくもし耳が聞こえていたら、たぶんもうちょっと良い人に見られたいとか、あったと思うのですよね（笑）しかし彼は耳が悪いことを当時あまり言い出せず、葛藤があって、あの有名なハイリゲンシュタットの遺書辺りから…おそらく私が思うに、良い人であるのとかはやめたと思うのですよね。彼の若い頃の作品を聴いていると、初期のソナタなどはちょっと違った印象を受けます。たぶん人の意見なんかも取り入れていたのだと思います。ピアノトリオ第3番ハ短調についての逸話で、ハイドン先生に何か批判的なことを言われたときに「それはただの嫉妬だろう」と言い返したらしく、きっと悔しかったのでしょう、彼の自信と葛藤が見え隠れしていますよね。

スタッフ：なるほど！確かに初期の作品なんかはそう思える節があります。しかし、後期の作品などは、どんどんベートーヴェンの本質的な部分がさらけ出されているような感じがします。

吉田：やはり耳がおかしくなっていったことで、だんだん変化していき、さらに、彼の不器用な面も相まって、自分を取り繕うということが、できなくなっていったのではないでしょうか。
最終的には、「人類に向けて」であり、「音楽に捧げる」という、そういう生きていく本質・信念だけを求めていくようになっていったような気がします。

スタッフ：なるほど・・・。そう考えると一般的にイメージするベートーヴェン像だけでは語りきれないほどの深さがベートーヴェンにはありますよね。

吉田：そうですね。「ベートーヴェン＝〇〇」という、一言では表現できないと思います。どの時代にベートーヴェンを見るかによって変わってきますよね。さらに作品一つ一つについても様々なストーリーがありますし、決して流れ作業でもないし…一言では語れないですよね！時代によっては、テレーゼソナタのような、幸福感に満ち溢れたようなものもありますし、決して一般の人がイメージする、戦いとか苦悩だけじゃないですよね。

スタッフ：とても深いですね！ベートーヴェンを語り出したら…（笑）

吉田：ワーグナーもベートーヴェンについて語り出したら朝まで語ったと言われるほど…それほど魅力的な作曲家だった、ということだと思います。まぁしかし、ベートーヴェンは自分に嘘をつかないし、その時、自分が思っていたことに正直であったということ、そういう部分は私とシンパシーを感じる部分かな、と思ったりします。ただ、私も気をつけなければいけないのが、毒だけ吐いていれば良いということではないと思うので…まぁ最近は丸くなってきましたよ。（笑）

スタッフ：たしかに、お話ししていると、物腰が柔らかに感じます。しかし、ピアノに向かうとちょっと別人みたいにも感じることがあるのですが？

吉田：たしかに。音楽に向かう時だけは丸くなりたくないというか、良い意味でいい人にはなりたくない、社交したくない、という思いがあります。

プログラミングの肝は自分を追い込むこと？

スタッフ：今回、3大ソナタにプラスでエロイカ変奏曲という大曲を組み込まれたので、とても驚きました！今回は、なぜエロイカ変奏曲を取り入れたのですか？

吉田：ソナタはもちろんのこと、「変奏曲・ヴァリエーション」形式もベートーヴェンの中では大きな主戦場にあると考えるからです。このエロイカ変奏曲は二重フーガの要素もあり、新しい手法で描かれています。あとは、こちらのサロンは音楽家としてやりたいことなど、奏者の意見を尊重してくださるということもあり、挑戦的なプログラムにしました（笑）

スタッフ：たしかに、とても挑戦的なプログラムでしたので、驚きました！ですが、"吉田友昭らしい"と感じられます！

吉田：そうですね、若干そういった「自分にしかできないであろう」という、すけべ心もありますよ（笑）
自分を追い込むのって結構、僕好きなのですよね。この前もデュオ → ソロ（大曲）→ デュオ → 室内楽の、結構重いプログラムをやってきたのですが、それが案外心地良いのですよね〜。
追い込まれると自分の本性が現れるので、どういう演奏をするのか自分を見るのが好きです。まぁ、おかしくなって熱とか出るのですけどね（笑）ですが、今のところ自分を信じる方向にいっているから、面白いな〜って思いますね。

スタッフ：それってある種自分を試しているっていうことでしょうか？しかもそれを楽しんでいますよね？（笑）

吉田：それを自分は普通だと思っていたのですが、この前、室内楽のパートナーに「それはクレイジーだよ」と言われました（笑）

スタッフ：いや〜大多数は、リスク回避傾向ですよ。特に歳を取れば取るほど、そうなる傾向が出てくる気が…。
ただ、突き抜けている方って、みんなちょっとクレイジーだと思います。逆にクレバーな方は、案外梲（うだつ）が上がらないというか…もちろんそれも役回りだと思うのですが…。

吉田：そうですね。作曲家もそうですよね、クレバーな作曲家で有名な人いますか？ラフマニノフおそらく最初はクレバーだったけど、最終的にはクレイジーな面が勝っているでしょ！演奏家も、まともになってしまったら演奏が良くないから、私も演奏会の１週間前は大学レッスンを入れません。人に教えるという行為は、ある種クレバーにならないといけないし効率も求められるので。芸術や音楽には、効率を求めちゃダメだと信じています。効率化すればするほど、人間の器がすごく小さくなっていっちゃうと感じます。そういう意味では良い人になりすぎないようにするというのは、演奏家として必要なことだと思います。

悲愴、月光、熱情によって、価値観を広げたい

スタッフ：何か3大ソナタというと、キャッチな企画に思われる方もいらっしゃるかもしれませんが、ベートーヴェンの本質が現れている名作たちだと思います。また、演奏される演奏家によっても違うと思います。

吉田：演奏はみんな違うと思いますし、演奏家にとっても憧れなのではないでしょうか。良い機会をいただけて嬉しいです。

スタッフ：お客様もとても好きですしね！3大ソナタについての、演奏に寄せてのお考えを教えていただけますか？

吉田：悲愴っていうと、悲しみ？ですが、もっと決然とした若さの情動ゆえの苦しみを感じますよね。悲しみのイメージだとしたら、例えばショパンの葬送と比べてみると葬送行進曲であり、悲しみを表現したいだけなら違う形でそれを表現できたと思います。月光のタイトルは本人がつけたものではないので、なんとも言えませんが、月光というよりは、絶望というべきか、遺書というべきか…そういう印象ではないでしょうか。最後に、熱情。全部パッションなのか？といったらそういうわけじゃないですよね。無意識なのか意識的なのかはわからないけど、モティーフやテーマが隠れて後半に出てきたり、楽章を繋いで出てきたり、研究すると色々な事が見えてきます。しかし、演奏する時には頭でっかちになりすぎてはいけないとも思います。たしか指揮者のサイモン・ラトルは「ベートーヴェンを振ったときに体が痛くならないようであれば、何かが間違っているはずだ」と言っていたと思います。

スタッフ：なるほど、興味深いです。ご来場いただくお客様にはどんなことを感じていただきたいですか？

吉田：3大ソナタのような有名な曲であればある程、お客様お一人お一人の中にベートーヴェンの理想像というものがあると思います。皆さん、千差万別だと思います。なので、今回、今僕が生きている今僕が思う、その日にしか生まれないベートーヴェン像を表していきたいのですが、もしかしたらお客様とのベートーヴェン像と違うかもしれません。ですがその違いですら楽しんでいただけたらと思っています！人間、一人一人考えも違う、信じることも違う、どっちが良い悪いではなくて、価値観の多様性であったり、新しい発見であったり、そこまで到達できたら嬉しいなって思います。ベートーヴェン自身、スケールが大きく、決して狭い価値観だけの人間ではなかったと考えます。ですが自己の信じる絶対的な価値観は持っていたでしょう。だからといって違う価値観を一切認めないことはなかったと思います。それらを体が痛くなるくらい真剣に演奏したいと思います。体が痛くならなかったら、私が手を抜いていたということで…（笑）

（2022年6月14日収録。文責、見澤沙弥香）

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吉田友昭ベートーヴェン３大ソナタ

風格のある響き、瞑想的なコンテキスト
巨匠を彷彿とさせる吉田友昭のベートーヴェン
悲愴、月光、熱情にエロイカ変奏曲を加えて登場

2022年11月12日(土)　開演15:00
渋谷美竹サロン

⇨公演の詳細はこちらから

<プログラム>
L.v.ベートーヴェン：
ピアノ・ソナタ第8番「悲愴」ハ短調 Op.13
ピアノ・ソナタ第14番「月光」嬰ハ短調 Op.27-2
ピアノ・ソナタ第23番「熱情」ヘ短調 Op.57
「プロメテウスの創造物」の主題による15の変奏曲とフーガ（エロイカ変奏曲） Op.35

<プロフィール>

吉田友昭（YOSHIDA Tomoaki）Piano

札幌市出身。東京芸術大学を経て20歳時にヨーロッパへ移住。パリ国立高等音楽院にてミッシェル・ベロフ、エリック・ル・サージュに師事。同音楽院を一等賞の成績で卒業後、イタリア・ローマ聖チェチーリア音楽院にてセルジオ・ペルティカローリに師事し修了。ザルツブルク・モーツァルテウム音楽大学ポストグラデュエート課程にてパヴェル・ギリロフに師事し修了。
第79回日本音楽コンクール第1位。マリア・カラス、ホセ・イトゥルビ、マリア・カナルス、ハエン、シドニー他の国際コンクールで優勝・入賞。スペイン、イタリア、オランダ、ドイツにて演奏ツアーを行う。バルセロナ・カタルーニャ音楽堂、アムステルダム・コンセルトヘボウ、ミュンヘン・ガスタイク文化センター、バレンシア音楽堂にて演奏。フランスに5年間、イタリアに4年間、オーストリアに3年間居住した後、2015年に日本に帰国。現在は国内にて様々な演奏・指導活動を行うと共に、東京音楽大学にて専任講師を務める。2022年は第76回全日本学生音楽コンクールの審査員を務める。趣味は歌舞伎鑑賞、サウナ、ランニング。

','seo_title':'【吉田友昭インタビュー前編】情熱と憧れ──めずらしい音楽人生を経て、今思うこと','seo_meta_keyword':'','seo_meta_description':'ピアニスト吉田友昭氏がこのたびベートーヴェン「悲愴」「月光」「熱情」に「エロイカ変奏曲」を加えて豪華絢爛なプログラムでソロ初登場！指導者歴８年と教育者としても定評の高い彼ですが、今回はめずらしい音楽人生と独自の指導方針について、さらに音楽を志すすべての人の心に響くような力強いメッセージをいただきました。','url':'news-2022-11-12-yoshidatomoaki1.html','status':'published','allow_comment':'0','images':'assets/uploads/News/interview_yoshida/0I1A2892.jpg','created_by':'1','updated_by':'1','created_at':'2022-10-16 14:20:35','updated_at':'2023-12-02 16:01:29','categories':null}]},{'month':'9','articles':[{'id':'170','publish_date':'2022-09-20 00:01:11','modified_date':'2022-09-20 00:02:21','genre':'1','title':'【公演中止のお知らせ】9/20鐵百合奈 ─シューベルトからシューマンへ─ ＜第１回＞「追憶と幻想」[追加公演]','content':'

2022年9月20日(火)に予定していた《鐵百合奈 ─シューベルトからシューマンへ─ ＜第１回＞「追憶と幻想」[追加公演]》ですが、出演予定の鐵百合奈が、新型コロナウイルス感染症陽性者との濃厚接触者に該当することが判明いたしましたので、開催を中止する運びとなりました。

本公演を楽しみにされていたお客様には、多大なるご心配、ご迷惑をおかけしますことを深くお詫び申しあげます。

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＜対象公演＞
2022年9月20日(火)
開場 18:30 開始 19:00
鐵百合奈 ─シューベルトからシューマンへ─ ＜第１回＞「追憶と幻想」[追加公演]
https://mitakesayaka.com/events/22-09-20-schumann-schubert1-123.html

出演
Piano 鐵百合奈

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事前支払をされたお客様の払い戻しの詳細に関しましては、
改めて個別にメールもしくはお電話にてご案内差し上げます。

大変申し訳ございませんが、少々お時間をいただけますと幸いです。

直前のご案内となりましたことを、深くお詫び申しあげます。

何かご不明点等ございましたら下記までご連絡くださいませ。

メール：info@mitakesayaka.com

お電話：03-6452-6711（平日：10:00〜18:00）/070-2168-8484

恐れ入りますが、何卒ご了承下さいますようお願い致します。

渋谷美竹サロン・スタッフ一同

※2022年9月19日23時58分現在

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平素は格別のお引き立てを賜り、厚く御礼申し上げます。
また、猛暑の日々が続いておりますが、皆様お変わりはございませんでしょうか、ご自愛をお祈りさせていただきます。

さて、突然のお知らせとなりますが、来年2023年より国家戦略特区としての「渋谷駅東口エリア」の大規模な再開発が始まります。
これによって、現在の渋谷郵便局の隣一帯にヒカリエよりも大きな地上33階建て高さ180メートルの高層ビルが計画されています。

これを機に、これまで親しんできた「美竹清花さろん」という名称から『渋谷美竹サロン』に改称させていただくことになりました。
ですが、お問い合わせいただく電話番号やメールアドレスに変更はなく、今までどおりご利用頂ける環境を維持して参ります。

これまで、“渋谷美竹サロン”という名称が使用しにくかったという事情と、渋谷駅東口・宮益坂周辺の地名であった美竹町の“美竹”の二文字、美しい竹には“清い花”がふさわしいということで、「美竹清花さろん」と親しんできました。
しかし、「“渋谷”が付いていた方がわかりやすい。“美竹清花”は読みにくい、漢字の変換がしにくい…」などのご意見をいただくことがありました。
そこで、今後はなるべく『渋谷美竹サロン』という名称を使っていこうということにしました。

ちなみに、当地区の“美竹町”という名称は、もともと美しい竹林があったこと、サロンに隣接する渋谷郵便局そばの室町時代初期創建の“御嶽神社”という由緒ある神社の名称も関係しているようで、“御嶽町”という記載も残っています。
もちろん、Webサイト等では「美竹清花さろん」の併記を当面は続けていきます。

これまで以上に心地の良い音楽空間、上質なサービスをご提供し､永く愛される音楽サロンを目指して参ります。
今後とも変わらずご愛顧いただきますようよろしくお願いいたします。
スタッフ一同、皆さまのこれまで同様のご愛顧を、心より願っております。

2022年8月8日
渋谷美竹サロン
スタッフ一同

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平素は格別のお引立てを賜り、厚く御礼申し上げます。
誠に勝手ながら、以下の期間を休業とさせていただきます。

＜夏季休業期間＞

2022年8月10日(水)〜2022年8月13日(土)

※休業期間中にお問い合わせいただきました件に関しては、2022年8月15日(月)AM10:00より順次ご対応させていただきます。
なお、上記期間前にお問い合わせいただいた期間中のサロン貸出につきましては通常通りご対応させていただきます。

緊急で御用のある方は下記のお電話番号へご連絡ください。

０７０ー２１６８ー８４８４

期間中は何かとご迷惑をおかけしますが、何卒ご了承の程宜しくお願い申し上げます。

美竹清花さろん／株式会社ILA

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鐵百合奈、新シリーズ「シューベルトからシューマンへ」
＜第１回＞「追憶と幻想」即日完売につき、
追加公演が決定！！

追加公演・日時

2022年９月20日(火) 　19:00開演

お申し込み開始日程/方法

サロンメンバーズ⇨ ７月21日(木)　10:00〜

一般⇨ ８月１日(月)　10:00〜

お申し込み方法

募集開始日程になりましたら、以下のWebサイトよりご予約可能となります。

https://mitakesayaka.com/events/22-09-20-schumann-schubert1-123.html

お電話でのご予約も承っております。

℡ 03-6452-6711（平日10:00〜18:00）

℡ 070-2168-8484（営業時間外はこちら）

チケット情報

※限定５０席

※追加公演では座席指定が可能なセット券・一般（プレミアム）の販売は行っておりませんが、ご希望の方はご相談ください。

【１回券】※１回券は9/20の第1回のみのチケットです。
会員：4,000円（座席指定可）
一般：4,500円（自由席）
学生：2,500円（自由席）

当日、現地払いでお願いいたします。

【全４公演セット券】

◆セット券ご購入者様は事前のお振込をお願いしております。
ご予約後にサロンよりお振込先のご案内をさせていただきます。
会員：16,000円（座席指定可）
一般：18,000円（自由席）
学生：10,000円（自由席）
一般(プレミアム)：28,000円（座席指定可）※

※４回セット券＋メンバーズ会員ご入会のプレミアムプラン！
＜プレミアムな６大特典＞
１、入場料割引＆同伴者割引あり（同伴者１名まで500円引き）
２、お席の指定（ただし、ご希望に添えない場合もございます）
３、開演１時間前からの８階スカイテラス付きラウンジのご利用
４、クローズドのコンサートを限定でご案内
５、初年度は8,000円相当のご招待券２枚付き（ご同伴者１名様は会員ご優待価格でのご案内）さらに、ポイント制度でお得に鑑賞（５回ご来場でご招待券を１枚プレゼント！）
６、コンサート・アーカイブ動画の限定配信（場合によっては、一部抜粋、期間限定でお届けします）

★８Fラウンジにてウェルカムドリンクとお茶菓子をご用意しております。

プログラム一覧

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＜全シリーズ・プログラム一覧＞

【完売御礼】第１回「追憶と幻想」　2022年9月17日(土) 18:00開演
シューマン：幻想曲 Op.17 ハ長調
シューベルト：ピアノ・ソナタ　第18番「幻想」 D 894 ト長調
【公演情報】

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【追加公演】第１回「追憶と幻想」　2022年9月20日(火) 19:00開演 New!
シューマン：幻想曲 Op.17 ハ長調
シューベルト：ピアノ・ソナタ　第18番「幻想」 D 894 ト長調
【公演情報】

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第２回「情熱と幻想」　2023年4月29日(土) 18:00開演
シューマン : 交響的練習曲 Op.13 (遺作入り)
シューベルト：ピアノ・ソナタ第19番 D958 ハ短調
[公演情報】

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第３回「包容と幻想」　2023年11月25日(土) 18:00開演
シューマン：クライスレリアーナ Op.16　
シューベルト：ピアノ・ソナタ第20番 D959 イ長調
[公演情報】

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第４回「瞑想と幻想」　2024年6月15日(土) 18:00開演
シューマン：幻想小曲集 Op.12
シューベルト：ピアノ・ソナタ第21番 D960 変ロ長調
[公演情報】

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狂気の優しさを幻想に見る ─シューベルトからシューマンへ─
＜第１回＞「追憶と幻想」に寄せて──
　シューマンの《幻想曲》は、ベートーヴェン記念碑建立の寄附のために作曲され、ベートーヴェンの連作歌曲《遥かなる恋人に寄す》が尊敬の念をもって引用されています。これは３楽章構成で書かれており、ソナタ風幻想曲と言えるものです。ベートーヴェン・シリーズ最終回のプログラムの作品27（第13番と第14番《月光》）が、ベートーヴェン自身によって「幻想曲風ソナタ」と題されたことと照らし合わせると、両者に鏡のような関係を感じます。ベートーヴェンへの追憶とクララへの思慕のなかで、シューマンはどのように感情の流露を書き綴ったのでしょうか。
　シューベルトの《ピアノ・ソナタ第18番》も、初版は「幻想曲」と記載されていました。作曲されたのは1826年、シューマンの《幻想曲》より10年ほど前、ベートーヴェンがまだ存命で、弦楽四重奏曲の傑作を書いた頃のことです。このシューベルトの《ピアノ・ソナタ第18番》はベートーヴェンからの影響が色濃く、第18番の挑戦的な作曲法には《熱情ソナタ》への意識も感じられます。
　シューマン&シューベルトの新シリーズの幕開けに、シューベルトの意欲作、真情の発露を、ここ美竹清花さろんで皆さまと共に感じることができれば幸いです。（鐵百合奈）

＜プロフィール＞

鐵百合奈（TETSU Yurina）Piano

2019年、N&FよりCDデビュー。2021年には2枚目のCD「シューマン」をリリースし、｢レコード芸術｣で準特選盤、毎日新聞や「音楽現代」などで特薦盤、推薦盤に選ばれる。
2019年よりベートーヴェンのピアノ・ソナタ全曲演奏シリーズを開催、NHKからドキュメンタリーが放映される。
多くのリサイタルを開くほか、読売日本交響楽団、東京交響楽団、広島交響楽団などオーケストラとの共演も多い。
第86回日本音楽コンクール第2位、岩谷賞（聴衆賞）、三宅賞。第4回高松国際ピアノコンクール審議員特別賞。第20回日本クラシック音楽コンクール高校の部第1位、グランプリ。第11回大阪国際音楽コンクール、第14回ローゼンストック国際ピアノコンクール、各第1位。 2015年、皇居内桃華楽堂において御前演奏を行う。2017年度香川県文化芸術新人賞受賞。
ヤマハ音楽振興会、よんでん文化振興財団、岩谷時子 Foundation for Youth、宗次エンジェル基金より、奨学金の助成を受ける。
学術面では、論文「『ソナタ形式』からの解放」で第4回柴田南雄音楽評論賞（本賞）を受賞、翌年「演奏の復権：『分析』から音楽を取り戻す」で第5回同本賞を連続受賞。
東京藝術大学附属音楽高等学校、同大、同修士課程、同博士後期課程を修了、論文「演奏解釈の流行と盛衰、繰り返される『読み直し』：18世紀から現在に至るベートーヴェン受容の変遷を踏まえて」で博士号を取得。2020年より桐朋学園大学院大学専任講師に就任。

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鐵百合奈氏は2018年２月から約４年をかけ、美竹清花さろんにてベートーヴェンのピアノソナタ全曲演奏会シリーズに挑み、
今年2022年２月、最終回である第８回「幻想」を迎え、シリーズを締めくくりました。
プログラムは鐵氏の斬新なアイディアが散りばめられ、単に第１番から順番に演奏していくものではなく、どこにもない稀有なプログラムを生み出したことで話題となりました。
（第１回「受苦」、第２回「あこがれ」、第３回「「構築を求めて」、第４回「悲しみ」、第５回「精神」、第６回「歌のかなた」、第７回「いずこへ」、第８回「幻想」）

そしてこの度、ロマン派の橋がけともなったベートーヴェンの作品からインスピレーションを得て、
鐵百合奈氏の新シリーズ「狂気の優しさを幻想に見る ─シューベルトからシューマンへ─」が始動します！
インタビュー前半はベートーヴェンを終えて、率直なご感想や変化など、
後半は新シリーズへの抱負などを語っていただきました。

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第１回「追憶と幻想」　2022年9月17日(土) 18:00開演
シューマン：幻想曲 Op.17 ハ長調
シューベルト：ピアノ・ソナタ　第18番「幻想」 D 894 ト長調
詳細・ご予約はこちら
全公演の詳細はこちら

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ベートーヴェンのピアノ・ソナタ32曲、全曲を弾き終えて・・・

スタッフ：ベートーヴェンのピアノ・ソナタ32曲、全曲弾き終わった今の感想を教えてください。

鐵：第32番の最後の一音を弾き終えた後、静寂で特別な時間・空間が感じられ、とても幸せでした。
前回（第7回「いずこへ」）のラストの曲、第31番の最後の音は長く、残響を感じながら浸れるのですが、第32番はスッと終わるので、鍵盤から指を離すときにとても名残惜しく感じられます。でも、今回、第32番を弾き終えた後に訪れた静寂は、とても特別なものでした。あの静寂は、ただの無音ではなく、この場に居合わせた全ての人が共有している空間を感じることができるもので、むしろ何か音が鳴っているよりも、音楽的な空間だったと思います。

スタッフ：たしかに…。あの瞬間、4年間でどのシーンにも無かったような一体感を感じました。

鐵：そうですね。4年間かけて育んできた経緯がありますので、何か「完成した」という感じですね。

スタッフ：そう！まさに「完成した」という一体感を感じましたね！
きっと天国からベートーヴェンも参加してくださっているんだろうなぁと思ったら、泣けてきましたよ…。アフタートークで「参加する仲間たちが増えていく感覚」とおっしゃっていたのも印象的でした。

鐵：そうですね。こういった”シリーズもの”というのは継続的な集客が難しいと思うのですが、今回のシリーズでは、ありがたいことに、回を重ねるごとに人伝やクチコミで参加される方が多くなり、それはとても幸せなことだったと思います。

スタッフ：そうですね！私たち主催側もそれはとても嬉しいことでした。
なかなかシリーズでこれほどの大団円を描いて最終回を迎えられることも少ないかと思います。鐵さんの人を惹きつける魅力のようなものも発揮できた企画になったのだと思います。

鐵：途中、折り返し地点の第5回の時点で企画会議があり、そこでテコ入れがあったことも、自分の成長に繋がったと思います！
私の執筆するプログラムノートが回を増すごとに、どんどん学術的になって行ってしまったのですが、やはり原点回帰ということで、聴き手の皆さんと作り上げるということを念頭に置いて執筆するように軌道修正しました。

スタッフ：あ〜、その節はすみません（汗）

鐵：いえいえ、皆さんと共有しながら進めることの大切さを感じていましたので、言っていただけて良かったと思います！

スタッフ：そう受け止めていただけたのであれば、良かったです。
振り返ると、良い企画にするためにお互いに言いにくいことも、言い合いながら進めてきましたね。衝突する時は辛いですが、今思えば、すべてに意味があったと思います。困難を乗り越えてこそベートーヴェン！ということで、それすらも美しい取り組みだったのではないでしょうか。

自分をベートーヴェンの中で泳がせる

スタッフ：最後の回を終えたときに「演奏家さんは演奏することが一番の成長に繋がる」と感じたのですが、鐵さんはこの4年間を通して、どんな変化をご自身で感じられましたか？

鐵：「自分をベートヴェンの中で泳がせる」という表現を、とあるお客様がされていて、とても的確な表現だなと思いました。
この4年間、私はベートーヴェンのことばっかり考えていました。何か、そればかりを考えていると「ベートーヴェンらしく」という意識がなくなってきます。ベートーヴェンのことを考えているのが当たり前なので、「ベートーヴェンらしさ」という先入観が抜け落ちていき、それが一番の収穫だったと思います。ベートーヴェンらしく力強く、ベートーヴェンらしくキッチリ、などといった「ベートーヴェンはこう弾くべき」という既成概念のようなものが、どうしてもあると思います。シンドラーの伝記からもわかるように、苦悩して打ち勝つ、清きベートーヴェン像というイメージが染み付いていますよね。この4年間のシリーズでは、そのようなベートーヴェン像の色眼鏡を取り払い、「私が感じるベートーヴェン」を表現できたかな、と思います。

スタッフ：なるほど、とても興味深いですね。たしかに、鐵さんのベートーヴェンを聴き続けていく過程で「あまりベートーヴェンらしくないかも？」と思うことが、実際にありました。ですが、それは聴き手も解釈の幅を広げるためのチャレンジでもあると、すぐに理解しました。音楽は言葉を超えた存在だからこそ、色々な解釈の幅を広げることができますよね。

鐵：母も、私の弾く月光の第2楽章を聴いて、「ベートーヴェンらしくないんじゃない？それ大丈夫？」と言いました（笑）。たしかに、少しテンポをルーズにして、シューマンっぽく弾いてみたんですよね。

スタッフ：たしかに、鐵さんのベートーヴェンからは、ベートーヴェン以降の作曲家の片鱗が現れていると感じる箇所を、多々発見しました。

鐵：最初の頃から”自分らしく”このシリーズに取り組もう、と思っていました。
自分らしく、というのは奇を衒ったようになってしまいがちなのですが、途中からそうではなく、自分の感受性を大切にして、良い意味で自分に素直になろう、と変化できたような気がします。

スタッフ：たしかに。鐵さんのそれこそコンクール時代のセンシティブで緊迫感のある演奏も好きでしたが、途中で演奏が変化してきたことに私たちも気がつきました。良い意味で肩の力が抜けていて、空間を楽しむような感じがしました。

鐵：そうですね、視界が広くなっていったような気がします。
以前、大学時代の室内楽のレッスンで「透明な筒のような集中力を持ちなさい」と言われたことがあり、その表現が自分の中でとてもフィットしました。色が付いている筒だと周りが見えなくなってしまうので、透明な筒であるように、と言われていたんです。なるほどと思いました。
そういう意味では、やっとホールで自分の音が聴けるようになったなぁと思います。美竹サロンのこの規模の広さだからこそ、よりそれが実感できたと思いますので、本当にサロンに育てていただいたと感じています。
その瞬間生まれる音を柔軟な感性によって扱うことは、ライブの醍醐味だとも思うので、それを体感できたことも嬉しいです。

書くことと弾くこと

スタッフ：今回、執筆活動と演奏活動、どちらも平行して力を入れて取り組まれていたと思いますが、なぜどちらも取り組もうと思われたのでしょうか？

鐵：「分析をどのように演奏に取り入れるのか」という課題は私のライフワークなので、その実践の場として、このコンサートの企画を位置付けていました。
最初の方のプログラムノートは、自分が修論を書くにあたって勉強したことをベースにして書いていたので、なんだか勉強ノートのようになっていたかと思います。ですが、それをご指摘いただいてからは、文献や目録の情報による「客観的なもの／これまでの研究によって『事実』とされているもの」と、自分が演奏の際に感じる「主観的なもの／それぞれの演奏者によって多様であるのもの」に分けて執筆しました。だんだん回を追うごとに、分析の中から何を伝えたくて、どのように取り入れたのかということを、自分の中で消化して書くようになっていきました。また、解説の手法についても、「譜例が無ければ説明できない」のではなく、「譜例が無くても伝わる」ように表現の工夫を重ねました。音楽表現の言語化が4年前よりはスムーズになり、音楽界隈にしか伝わらない表現（楽譜など）以外での伝え方の「引き出し」が増えたことは、私の中で成長できたところだったと思います。

スタッフ：今のお話を聞いてみても思ったのですが、鐵さんはすごく研究者的な気質があると思います。聴き手というのはわがままで、自分の解釈にハマると嬉しいという思いもありつつ、何かわかりやすいものを好み、扇動されたい！という思いもどこかにあるのだと思います。クラシック音楽というのは膨大で難しいイメージもありますし、楽器を弾ける人もそう多くはないので…。

鐵：なるほど、扇動ですか…、「あの偉い人が言うことだから正しいだろう」と信じることなどがそれに当てはまるのかな…。その姿勢も一理あると思うのですが、聴き手の皆さんにはシンプルに自分自身の感受性も大切にして欲しいな、と思います。もちろん、受け継がれた伝統や聴き方のトレンド、というのもすごく大切なことだと思いますが。

スタッフ：そうですね。先入観から入らずに、音や響き、作品をありのままに感じることも大切なことですよね。
感受性という言葉が出たので少し聞いてみたかったのですが、鐵さんが使われる詩的な言葉やシーンを表現する言葉のセレクトがとても印象的だったのですが、そういったイメージはどこから仕入れているのですか？

鐵：実は、コロナになってからおうち時間を過ごすなかで、よく映画を観るようになったんです！（笑）
名作はもちろん、B級映画なども観るのですが、そんな中でも何か印象的なシーンが音楽作りに繋がったりすることがあったのかもしれません。

スタッフ：普段見たものや生きてきたことを取り入れている感じでしょうか？

鐵：そうですね。日本にいて普通に生活していると、たくさんの過酷な体験をすることはそうそう無いと思うので、そういった観たものやニュースから想像して自分が感じたことを大切にしています。

スタッフ：それは大切なことですね。画面の中の出来事を他人事として処理して、想像力を働かせることができなくなってしまう人が多いこの現代社会ですが、そういった感性を働かせる行為に尊さを感じます。

ベートーヴェンからシューベルト、シューマンの美しい流れ

スタッフ：ベートーヴェンの後に、このシューベルトとシューマンに取り組もうと思ったのはなぜですか？

鐵：ベートーヴェンの全曲に取り組む中で、シューベルトやシューマンに似ているところを見つけることがありました。それはもちろん、後世の作曲家である彼らがベートーヴェンから影響を受けたと考えられます。ベートーヴェンの作品の中から聴こえてきたシューベルトやシューマンの音の発見から、自然に次回の構想が生まれました。
逆に、前半回を弾いていた時は初期ソナタを配置していたので、ハイドンやC.P.Eバッハやモーツァルトのような響きが聴こえてきて、古典に取り組むのも良いかなぁと思っていました（笑）。でも、後半の方はやはりロマン派の薫りがしたので、今回はシューベルトとシューマンで取り組むことに決めました。

スタッフ：たしかに、流れとして美しいですね。
ベートーヴェンのどんなところから、シューベルトやシューマンの音が聴こえたのでしょうか？

鐵：たとえば唐突なクレッシェンドが挙げられます。平穏で優しい第15番「田園」であっても、緩徐楽章では驚くようなクレッシェンドが配置されていて、少し狂気を感じます。そこにシューマンの不安定な精神状態の曲想が感じられました。逆に、優しい表現も挙げられます。第14番「月光」の第2楽章、半音階でふわっと溶け合うような箇所はすごくシューベルトらしいと思いました。第27番の第2楽章は、一般にもよくシューベルトらしいと言われていますね。同じように、第28番の第2楽章はシューマンらしいとよく言われています。ベートーヴェンから聞こえてくるシューベルトらしさ／シューマンらしさとしては、「付点リズム」も挙げられるでしょう。先に挙げた第28番の第2楽章は、まさに付点リズムがシューマンっぽさに繋がっていますね。対して、シューベルトっぽい付点リズムは、とくに左手の扱いで顕著に感じられます。ベートーヴェンの初期ソナタの付点リズムに関しては舞曲のリズムがルーツですが、後期のソナタでは何か、足がもつれるようなリズムがあったり、舞曲ベースではなく、ベートーヴェンが表現として独自に生み出したリズムが多いと感じられました。このような歪んだリズム、なかでも足のもつれを連想させるリズムは、シューベルトと共通していると感じました。

スタッフ：なるほど！ちなみに今回のプログラミングはどのような意図で組まれたのでしょうか？

鐵：えっと…これは、フォーマルな感じでお答えした方が良いのでしょうか？（笑）
素直な、カジュアルな意見で言うと、シューベルトの後期のソナタが弾きたいなぁ！と思っていたのが正直なところです！シューベルトのソナタを、うしろから４曲並べると幻想ソナタからの並びになりますので、じゃあ第1回ではシューマンの幻想曲と合わせると良いかなと思いましたし、ベートーヴェンの最終回のテーマが「幻想」だったので、次に繋がる流れとしてはピッタリかなとアイディアが浮かびました。

スタッフ：鐵さんのそういった共通項のようなものを発見し、新たなアイデアを生み出すところがすごいですよね！
音楽に対する情熱というか、探究心の強さというか、そうしたものも良い企画を生み出す原動力になっているような気がしています。

モチベーションは不要なのか？

スタッフ：シリーズものに取り組むのは多くの演奏家にとって覚悟が必要なので、躊躇してしまうことかと思います。鐵さんがチャレンジし続ける理由や、モチベーションの原動力を教えてください。

鐵：それ、なぜかよく言われますね。私は好きなことができて、それを続けられるだけで幸せだな〜って思うので…（笑）
なんでしょう。ちゃんと区切りがあることで、それに向かって今の自分をアウトプットすることができるので、決めてしまった方がメリハリが付くのかなと思っています。

スタッフ：たしかに。締め切り効果ってやつですね！その締め切りを決めるのが、傷つきたくないから決められないのだと思うんですよね…鐵さんはそういう怖い気持ちとかは無いのでしょうか？

鐵：え〜、プログラムを考えるとき、ネガティブな気持ちは全く無いです。コンサートが終わってから「次、何弾こう〜♪」って考えている時が一番幸せです！ここだけの話、ベートーヴェンの全8回の曲目は、一晩で集中して一気に組んだんですよ。何か、嬉しくて嬉しくて…（笑）

スタッフ：え〜！それはすごい。

鐵：あ、ただ、企画を考えるときは、もう楽しくて楽しくてポジティブ全開ですが、本番前はもちろん「うわぁ〜どうしよ〜」とはなりますよ！（笑）

シリーズものの醍醐味

スタッフ：最後に、新たなシリーズにお越しいただくお客様にメッセージをお願いします。

鐵：ベートーヴェン全曲に取り組んだこの4年間で、たくさんの変化がありました。演奏面では、その場の空気を柔軟に感じ取り、その時に生まれる空間の中で音楽作りをするようになりましたし、執筆については客観的事実と主観的記述に分けて執筆することを意識するようになりましたし…。環境の変化でいうと、博士を卒業して大学院で講師として教える立場になり、「どのように弾きたいか？」ではなく、「どのように聴きたいか？」を、より意識するようになりました。長期間に渡ってシリーズものに取り組む意義は、そういった「変化を楽しむ」ことでもあるのではないでしょうか。もちろん、聴き手の皆様も様々な変化がある中で、ご一緒に音楽の空間を創ってくださると思います。これからはじまる2年間の変化や、皆様と共有できる空間を大切に、そしてこのシリーズの最後を皆様とどんな瞬間で迎えるのか、すべてが楽しみです。

（2022年2月21日収録。文責、見澤沙弥香）

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次回シリーズ

狂気の優しさを幻想に見る
─シューベルトからシューマンへ─

⇨公演の詳細はこちらから
Tel:03-6452-6711
info@mitakesayaka.com

＜全シリーズ・プログラム一覧＞

第１回「追憶と幻想」　2022年9月17日(土) 18:00開演
シューマン：幻想曲 Op.17 ハ長調
シューベルト：ピアノ・ソナタ　第18番「幻想」 D 894 ト長調
【公演情報】

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第２回「情熱と幻想」　2023年4月29日(土) 18:00開演
シューマン : 交響的練習曲 Op.13 (遺作入り)
シューベルト：ピアノ・ソナタ第19番 D958 ハ短調
[公演情報】

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第３回「包容と幻想」　2023年11月25日(土) 18:00開演
シューマン：クライスレリアーナ Op.16　
シューベルト：ピアノ・ソナタ第20番 D959 イ長調
[公演情報】

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第４回「瞑想と幻想」　2024年6月15日(土) 18:00開演
シューマン：幻想小曲集 Op.12
シューベルト：ピアノ・ソナタ第21番 D960 変ロ長調
[公演情報】

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＜プロフィール＞

鐵百合奈（TETSU Yurina）Piano

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